Liliana Vitale "Al Día"

Manifestación de canciones actualizadas

El pasado 17 de octubre, día de la lealtad también llamado de la resistencia, Liliana Vitale presentó en la Sala Siranush su nuevo material. Se trata de su primer DVD-CD llamado “Al Día”. Los que somos habitúes de la comida armenia y de los buenos conciertos que la sala de Palermo ofrece, nos sorprendimos al ver la disposición de los sillones y sillas casi al borde del escenario. Con este contacto tan cercano y esta comunicación tan íntima y fuerte, se dio comienzo a la cálida velada que poco a poco se convirtió en expresión de un verdadero y genuino encuentro.

En su ingreso al escenario interpretó el poema de Miguel Hernández: “Llego con tres heridas” / la del amor / la de muerte / la de la vida, mientras invitaba a los presentes y los dejaba cantar solos y con ella: con tres heridas viene / la de la vida / la del amor... Después ya  en el piano nos ofreció un seleccionado repertorio de canciones propias y de Alberto Muñoz, Jaime Roos, Horacio Fontova y Henri Michaux incluidas en discos anteriores que recupero y refrescó no solamente en sus arreglos sino también en su búsqueda interpretativa.

Los momentos más sobresalientes de la noche se alternaron entre los logrados con los músicos convocados a una verdadera fiesta, y los interpretados solamente al piano o con el cajón, donde se mostró emocionada y feliz, entre las canciones que los presentes más disfrutamos están: "Animal tierno y fácil", “Tu laberinto”, “Cuando se ponga mansa la luna”, “Desaparecer en el amor”, “Cuando seas de mí” y “Canción de amor para marea y tambor” que compartió con Verónica Condomí y su sobrina Emme. También las inéditas recitadas, "Buen día, día", de Miguel Abuelo, “Me caigo y me levanto” de Julio Cortázar y "Jardín de gente", de Luis Alberto Spinetta.

Los músicos que acompañaron esta presentación fueron: Ana Ponce (Percusión); Eliana Liuni (Vientos); Quique Ferrari (Contrabajo); Mariano Delgado (Guitarra) y Lito Vitale (Piano y Percusión). El DVD fue desarrollado por Marcha Lenta (Juan Belvis, Diego Laber, Manuel Diaz Carrasco) quienes además realizaron la compaginación de imágenes proyectadas en el escenario. El material fue grabado en el estudio de Lito Vitale que también auspició la producción. La filmación se llevo adelante en su mayor parte, los días 6, 7 y 8 de mayo y lo editó Ciclo 3, primer sello independiente de la Argentina, con producción ejecutiva de Esther Soto.

Todo terminó en clima de celebración con varios bises que el público aplaudió de pié. La ovación continúo en el Hall de la sala donde los pares, los seguidores y algunos desprevenidos que la descubrían por primera vez, esperaban por sus autógrafos, fotos y CDs.  Así entre la fidelidad de su público, la magia del lugar y los invitados de esa noche, Liliana Vitale logró expresar con voz franca, precisa y sólida lo que tenía para compartir, aquello mismo que colmó nuestro espíritu modificado y que actualizaremos cada vez que miremos y escuchemos “Al Día”.


SALA SIRANUSH - Armenia 1353 - 4775-2877
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Después de la lluvia

Sale el sol

El Teatro El Tinglado, cada vez más selecto en las obras que lleva a su programación y escenario, tiene aún espectadores desprevenidos que se sorprenden tanto cuando ven la función de la obra teatral “Después de la lluvia”, que estallan en aplausos sonoros y risas francas en agradecimiento de esta divertida y ácida comedia contemporánea que como todo buen teatro propone vernos envueltos en los personajes y en sus historias.

La obra obtuvo: “Premio Nacional de Literatura Catalana” (1993-96), “Premio Serra d’Or” 1994, “Premio Meliá Parque” 1996, “Premio Moliere” 1999 a la mejor obra cómica en la producción del Theatre de Poche Montparnasse-París, y el “Premio Max de Las Artes Escénicas 2002” al espectáculo con mayor presencia internacional.

Es que las historias sobre las que el español Sergi Belbel funda su dramaturgia en este trabajo hace que cualquier trabajador activo o jubilado se reconozca en su diferente jerarquía o enfrentada condición social como integrante de esta empresa financiera o multinacional que se nos narra. El tema gira en la satisfacción sin límites del placer, en sus rigurosas reglas, su impersonal trato, el abuso de poder, las ambiciones, la competencia, los vínculos, el amor y la soledad.

Los empleados esta empresa deben ocultarse para subir a fumar de manera ilegal, en contra de las políticas institucionales, a la terraza del edificio donde trabajan. Ahí emerge lo preexistente de esta comedia: en sus confidencias circunstanciales, sus revelaciones imprevistas y sus testimonios muy poco humanos. Todo lo que sostiene la divertida acción y el buen ritmo e incluso su crítica a partir del humor es la perdida de humanidad.

La propuesta escenográfica es sencilla, despojada y funcional, en color gris metal que también simboliza, la iluminación precisa y efectiva. El vestuario pertinente. Los espacios son muy bien utilizados pero lo verdaderamente destacable e impecable del trabajo son las brillantes actuaciones de Victoria Fortuny, Sang Min Lee, Ramiro Vayo, Eugenia Palioff, Nayla Noya, Rafael Lavin, Ariel Cister y Laura Wich. Qué logran poner su entrenamiento y concentración al servicio de los personajes cuyo resultado de la mano del director Roberto Nicolás Lachivita crece en intensidad y veracidad tanto individual como en las escenas que comparten; coexistencia necesaria y a la vez  indispensable para que la analogía se recepcione.

Y hacia final, después de transitar las inclemencias del presente, llegará por fin la esperada lluvia, la que trae fe y esperanza... esa que nos hará olvidar nuestras miserias e inundará de alegría nuestra vida frágil y sin sentido. Esa misma lluvia apagará las frívolas risas y nos hará cambiar el rumbo que estaba destinado al fracaso.


TEATRO EL TINGLADO - Mario Bravo 948 - 4863-1188
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Embrujadas de amor

Reflexiones femeninas y canciones

El Teatro Gargantúa ofrece una buena y entretenida opción dentro de su cartelera, se trata del espectáculo que todos los sábados comienza muy cerca de la medianoche, en un ambiente descontracturado donde se puede consumir bebidas y comidas rápidas mientras se disfruta de cuatro voces que cautivan desde el primer momento.

Embrujadas de Amor, es un musical teatral que recorre un repertorio de canciones de encuentros y desencuentros del sentir amatorio, con una mirada humorística y llena de reflexiones femeninas sobre el casamiento, la separación, el divorcio, la infidelidad y el desamor que el público comparte y agradece. Así el recorrido abarca diferentes géneros: boleros, tangos, canciones románticas, de protesta, cumbias y comedia musical.

Los autores de las canciones que protagonizan este libro de Claudio Cabré son Liliana Felipe, Boris Vian, Tom Lehrer, Stephen Sondheim y Edith Piaf entre otros. Una de las características de este musical es que rescata las canciones que escandalizaba al público porteño a fines de los años sesenta y comienzos de los setenta cuando con la clausura del Instituto Di Tella muchos artistas se trasladan a la Botica del Angel de Eduardo Bergara Leuman constituyendo lo más underground del café-concert.

Las protagonistas se destacan tanto grupalmente como en sus intervenciones individuales, desplegando talento no sólo como cantantes, sino como actrices y bailarinas. Ellas son Florencia Rovere, Belen Caccia, Jimena Lima Jofre y Anita Franttin, quienes además visten y cambian para la ocasión.

Aquí ponderaremos a Florencia Rovere por su calidez vocal que no tiene fisura durante los más de 90 minutos que dura el espectáculo, a Gimena Lima Jofré por excelente interpretación de las canciones y de los pequeños textos que las unen, a Belén Caccia por su preparación y trabajo corporal que le permite desplegar una variedad asombrosa de personajes con gran histrionismo y aceptación del público y a Anita Frattin por aportar un espíritu juvenil y renovado que acompañar en la misma calidad al grupo.

Embrujadas de amor es también gracias a la participación del músico Leandro Becker quien trabaja como pianista pero se ocupa de la dirección musical acompañando con intervenciones e incluso voz en cada momento del espectáculo.

Una opción para pasar un sábado divertido, con risas y momentos mágicos de enamoramiento, entretenimiento y embrujo. Si van en pareja el espectáculo advierte: "si no se lo decís vos... se lo decimos nosotras".


TEATRO GARGANTUA - Jorge Newbery 3563 - 4555-5596
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Albarito

Un poco de humor… negro

Albarito es una comedia de humor negro que podremos ver los viernes a las 23 hs en el Taller del Ángel, esta propuesta está al servicio de dos talentosos actores que no escatiman los recursos del minucioso y sólido trabajo que han descubierto en la composición de los personajes de Víctor (Ignacio Pagliare) y Miriam (Vanina Ramirez) protagonistas esta historia. Aunque como el mismo título lo expresa, el verdadero protagonista es Albarito, el hijo de ambos, devenido en un ser mutilado cuya presencia en la escena se dará de princio a fin.

La dirección está a cargo de Mariel Quintela quién logra una puesta sobría, pero eficaz e innovadora, utilizando los recursos de luz que la sala ofrece logra incursionar en el cómic exacerbando la actitudes fatalistas que envuelven el mundo interno de estos personajes. Otro trabajo destacado por lo ingenioso es el diseño sonoro que propone Santiago Barceló.

Lejos de ser un matrimonio ideal, estos personajes nos mostrarán su lado oscuro y más doloroso, evidenciando situaciones provocadoras que despiertan polémica y risotadas en el público por lo increíbles, grotescas y mórbidas. Los textos cuestionan las reglas del modelo de familia tradicional judeocristiana y expone la controversia de esos mandatos con la moral, la sexualidad, la pobreza, la locura, la discapacidad, la violación, las enfermedades y la muerte pero desde una visión de gran cómicidad donde se critica de manera indirecta estas mismas cosas.

Albarito es una obra de actualidad escrita por Ricardo Racconto y Esteban Parola, quienes vienen trabajando juntos en teatro desde hace varios años y comparten en este trabajo el gusto por el humor negro, el sarcarmo, la ironía y los terribles deseos que tenemos casi todos de aferrarnos a la vida explorando nuevas formas de humor. Contarles más sobre este espectáculo sería revelar la trama, pero sepan que es breve, divertido, no apto para ingenuos ni personas hipersensibles, que ofrece una opción diferente, con muy buenos trabajos actorales, con un lenguaje propio que recorta y ficciona una parte de la realidad que de otra manera se resolverían en llanto.


TALLER DEL ANGEL,, Mario Bravo 1239 - 4963-1571
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Jesucristo

Un cordero, un hombre, un Dios…

Todos los sábados a las 20hs en una pequeña sala del Teatro de la Comedia que proporciona a la propuesta estética de la obra “Jesucristo” que interpreta el multifacético actor Mariano Mazzei el espacio conveniente para extrapolarse de lo cotidiano, somos bien predispuestos para escuchar “La Palabra” que nos presenta la Compañía “los del Verso” cuya Dramaturgia y Dirección es responsabilidad última de Mariano Moro.

Jesuscristo viste sencillamente como el que viene de otro siglo, nos habla en primera persona y se nos acerca demasiado, sacude nuestras creencias, comparte aspectos de su vida que conocemos y otros que descubrimos, y con la naturalidad de un amigo convierte esta experiencia en un verdadero encuentro de profundidad. El conflicto que atraviesa el actor en la pieza es principalmente interno, eso hace que la identificación fluya y que revele el aspecto más humano del Dios.

Mariano Mazzei tiene con este trabajo unipersonal el espacio para desplegar su talento y gran dominio de las posibilidades de su explorada voz y de su entrenamiento físico. Si bien Jesucristo trabaja en escena como carpintero y traslada maderas dejando caer muy cerca restos de aserrín, lo importante está en su decir y en lo que relata, una infinidad de imágenes condensadas en apenas 65 minutos.

Hay otro rasgo estético que no pasa inadvertido, el actor se parece bastante a las fotografías y estampas que conocemos a través de pintores, escultores y artistas que nos acompañaron por más de dos mil años. Esto le juega a favor, hay una armonía y belleza en el rostro y en los ojos que resulta como en “el amor a primera vista”: somos invitados a seguirlo de aquí a allá. Es destacada también la puesta de luces, símbolo y testimonio de la representación.

Los católicos iremos con alguna ventaja, y este texto no entrará en contradicción con nuestras creencias, los demás tal vez descubran algunas de las principales enseñanzas que Jesucristo legó, pero de un modo más cercano, con humor, ironía, generosidad y hondura, con muchas preguntas y sin duda serán afectados o conmovidos por una interpretación que rebasa de intención sentida.

Mariano Moro se atreve en esta dramaturgia a contar la historia de Jesuscristo y la de su pueblo judío, nos acerca otros personajes con su sola mención, relata anécdotas documentadas en el Antiguo testamento y su investigación se extiende más allá de ellos, se adentra en su moral, su ética, su religión, su vida pública, la relación con su Padre y con Satanás.

Uno de los momentos más delicados tanto para el espectador como para el actor ocurre en el momento que se nos camparte el pan y el vino, representación del cuerpo y alma, porque nos incluye, nos toca, nos conforta y repite un ritual que traslada de otro ámbito pero que respeta la esencia del mismo: todos podemos ser uno en nuestra fe. Y así concluimos que el amor y el perdón son las recetas necesarias para construir y caminar hacia un futuro sin dolor. Hoy Multitudes levantan la bandera de este mensaje y los argentinos no estamos indiferentes ni ajenos.



TEATRO DE LA COMEDIA - Rodríguez Peña 1062 - 4815-5665
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Zambayonny "Lados B"

Multitudinaria presentación en la Sala Siranush

El viernes pasado con localidades agotadas se presentó el multifacético Zambayonny en la Sala Siranush. Una hora y media después de lo previsto subió al escenario solamente con su guitarra después de un músico bahiense que invitó como telonero.

En esta oportunidad incluyó canciones de sus discos “Búfalo de Agua” y “Salvando las distancias” además otros de proyectos anteriores, también piezas inéditas y sus infaltables monólogos de actualidad.“Zamba” como lo llaman sus fans arrancó con todo, con voz fuerte, clara, y perfecta dicción, rasgando con energía precisa su guitarra. De principio a fin fue ovacionado por la multitud que colmó la sala y no dejó de cantar incesantemente ninguna de las letras de sus canciones.

Zambayonny es uno de los seudónimos de Diego Perdomo, cantante y escritor argentino que vivió gran parte de su vida en Bahía Blanca. En 2006, después de mucho tiempo de grabar discos y escribir cuentos en forma independiente en su casa, comienza a subir todo ese material a la web logrando de inmediato una fuerte repercusión en el público.

Sus letras dicen: “Compaginame los momentos mas hermosos, que el futuro es horroroso”, “tengo una canción sin estribillo, que nació en un conventillo” en “La Comparsa Reventada” o “Que pena las noches aquellas mirando las estrellas, siguiendo las huellas de una riqueza absurda”, qué pena los sueños corrientes que nunca nos contamos, los viajes separados, las flores en setiembre, qué pena haber estado tan pendiente de lo urgente” en “Las horas perdidas”.

Su popularidad se debe a que logra expresar en un lenguaje cotidiano que no deja de ser provocativo porque al mismo tiempo es feroz, pegadizo, sutil, poético y obsceno. Si logramos deshacernos del prejuicio del uso y abuso de su lenguaje descubriremos sus historias sinceras, llenas de analogías que invitan a la reflexión. Como el tema “El último peaje”, uno de los más festejados de la noche que denuncia la contaminación visual o la interpretación de “La incogible” mientras nos hablaba de la censura.

Su último material, “Búfalo de Agua”, fue nominado a los Premios Carlos Gardel como mejor disco del año en la categoría Autor. En 2010 publica su primera novela, Biografía de un superhéroe, con gran repercusión y excelentes críticas completando esta historia en el 2012 con Leyenda de un superhéroe. Ambos libros junto con sus CD se vendieron al finalizar el encuentro que se repetirá en la misma sala el 26 de abril.


SALA SIRANUSH - Armenia 1353 CABA - Teléfono: 6381-0180
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Golpes a mi puerta

Historia latinoamericana de persecución política

“Golpes a mi puerta” está colmada de poesía, drama y algo de humor, que escribió el dramaturgo argentino Juan Carlos Gené en 1984 durante su exilio en Venezuela. En ella aborda el tema del poder, el amor, el respeto y la fe cristiana. En aquél momento, en el contexto de su actividad pedagógica, Gené creó el Grupo Actoral 80 compuesto por actores de diversos países de Latinoamérica y luego el CELCIT le brindó la posibilidad de llevarla a escena en aquel país.

Esta obra teatral se presenta en Andamio 90 los domingos a las 18hs. La historia siempre en presente sucede en los años setenta, en algún país latinoamericano, bajo la violencia de una invasión extranjera disfrazada de guerra civil, dirigida contra un gobierno que realiza reformas que afectan intereses particulares.

Entre los más humildes, las monjas Ana y Ursula (Daniela Catz y Maia Francia con destacadas actuaciones) buscan vivir con radicalidad la pobreza evangélica pero se enfrentan a una situación límite por refugiar en su pieza a Pablo, (Ariel Guazzone) un perseguido político. Esta situación las hará descubrir la fuerza de sus principios éticos, enraizados en el amor a Cristo y a su pueblo para cuestionar el orden vigente de Cerone (Camilo Parodi), autoridad civil del lugar.

El elenco lo completan: Silvina Katz interpreta a Amanda, una astuta Amanda, vecina de las religiosas; Mario Petrosini interpreta al Monseñor del pueblo; Silvia Trawier, Agustina Iparraguire, Pablo Oubiña y Leonardo Díaz en los demás roles. La puesta ofrece un uso múltiple del espacio escénico y esto es muy buen recurso al momento de seguir a los personajes en sus diferentes encuentros y enfrentamientos, así está bien definida la casa de las monjas, con detalle francés en su vestuario; la cárcel, la iglesia y la calle. Los efectos sonoros y la música son muy logrados. La dirección está a cargo de Eduardo Graham, quién además es Lic en teología, sacerdote y se formó en dirección teatral con Gené.

En esta obra Ana, termina haciendo lo que tiene que hacer, que es justamente ser coherente y muere como una verdadera cristiana. En este tiempo muchos argentinos aspiramos a que las iglesias estén de verdad más cerca, como hace cuarenta años, aquí se habla de eso: de la Teología de la Liberación. “Golpes a mi puerta” es una propuesta de calidad, emotiva y estética con muy buenas actuaciones que nos pone en contacto con una justicia social y humana, uno descubre que allí está la fe y nos hace dar cuenta que la fe, la esperanza y la caridad en un acto son la misma cosa.


ANDAMIO 90 - Paraná 662 - 4372-8386
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Lírica

Otra realidad es posible

La obra “Lírica” del multipremiado dramaturgo venezolano Gustavo Ott se presenta todos los domingos a las 20:30 en el Teatro Del Abasto y nos ofrece mucho más que una muy buena opción al momento de decidir sobre la tan vasta cartelera porteña. Cómo espectadores saldremos muy conmovidos, más claros e inspirados para descubrir otra realidad posible.

La pieza teatral tiene ritmo e intensidad, la puesta en escena y la dirección es de  Iris Pedrazzolli. Lírica recrea lo ocurrido entre dos niños de 9 años de un alto coeficiente intelectual de la Escuela Elemental San Martín ubicada en un barrio de escasos recursos que comparten una amistad que potencia sus cualidades. Pero además aborda la relación que existe entre el odio, la venganza y el perdón a través del lenguaje habitual de la lírica que es la poesía.

Los niños de la historia no entrarán en escena en cuerpo real sino a través del off o de la presencia de sus madres: Abril, mamá de David (Marcela Bea) y Norway mamá de Lennon (Silvia Mañá). Toda la acción transcurre en la oficina de la Directora Ramírez (Marigela Ginard).

La obra comienza tres meses después que se produzca el hecho que cambiará para siempre la vida de estas tres mujeres: el padre de uno de los niños mató al padre del otro y cumple su condena en la cárcel. Este triste homicidio lejos de distanciarlos los acerca mucho más en una amistad que trasciende la ausencia de la figura paterna gracias a la creatividad de ambos.

Sus madres están tomadas por el mismo dolor, odio y resentimiento pero con diferente sensibilidad que las llevará a actuar como polos opuestos,  contrastando como duras y blandas, a veces superponiéndose y otras mezclándose. La directora de escuela no solamente mediará en el conflicto sino también ofrecerá una nueva mirada para abrirlas a la posibilidad de que transformación sea cierta. Las tres actrices realizan muy un sólido trabajo actoral que demuestra no sólo el talento y formación sino la experiencia afianzada y siempre renovada.

La puesta realmente se destaca por diseño y sus recursos creativos en clara sintonía con el texto. “Lírica” fue escrita gracias al aporte de la Cité des Arts de Paris, ETC Caraibe y la Mairie de Paris- Direction des Affaires Culturelles de la capital francesa. Fue estreada en Bolivia en año 2011. Y aquí cuenta con el apoyo de El Fondo Nacional de las Artes y Pro Teatro.

Es una propuesta valiosa para estos tiempos que aguarda espectadores con coraje dispuestos dar un puñal a la indiferencia. Si bien la realidad demuestra que vivimos en un mundo difícil, triste y peligroso, muchos niños como David y Lennon  nos enseñan que dentro de este mismo mundo podemos crear aquello que imaginamos. Como bien dice María Zambrano: “Las utopías nacen solamente dentro de aquellas culturas donde se encuentra claramente diseñada una edad feliz que desapareció”.


TEATRO DEL ABASTO - Humahuaca 3549 - 4865-0014
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Hedda Gabler

Ibsen y la felicidad de los humildes

Hedda Gabler, de Henrik Ibsen se representó por primera vez en 1891. Si bien fue una de las obras más polémicas y exitosas del dramaturgo noruego, se trata de uno de los personajes teatrales más complejos de todos los tiempos porque ofrece muchas facetas y aspectos diferentes. Este desafío lo retoma Rubén Hernández Miranda al dirigir y reponer esta pieza en la temporada 2013 en el Teatro Luisa Vehil.

La obra cuenta la historia de Hedda, hija del fallecido Capitán Gabler y con ella lo que sucede a algunas mujeres de la aristocracia del siglo XIX. Ella tiene un primer aspecto de orgullosa, individualista y celosa  pero sufre de un gran aburrimiento que la lleva a hacer cada vez más maldades en apariencia sólo por diversión. Como ella misma lo expresa ese aburrimiento la va matando lentamente: “A veces creo que sólo sirvo para una cosa en este mundo (…) para aburrirme mortalmente”.

Si bien Hedda (Fanny Rodríguez) lleva un duelo que la obliga a casarse para poder sobrevivir en su clase social, su mente brillante la hará comprender los beneficios de cumplir el mandato y casarse con Jorge Tesman (Pablo Ortolani), joven burgués que intenta ocupar un lugar destacado en esa sociedad. La obra comienza cuando regresan de su luna miel y comparten su nuevo hogar, un petit hotel recién adquirido que deberán pagar en cuotas.

Toda la acción sucede en este espacio que cuenta con un sillón central, una silla mecedora a la izquierda, adelante una estufa con chimenea, detrás una mesa y a la derecha un escritorio. Allí la criada del matrimonio Tesman, Berta (Marñia Benito) irá acompañando a los diferentes personajes que entran y salen. La primera visita es la de la tía de Jorge, Juliana Tesman (Patricia Sellanes), luego un amigo asesor e influyente de la familia, el Sr. Brack (Carlos Strefezza) más tarde la esposa del juez, señora Elvsted, ex compañera de Hedda (Vivi Campos) y por último el talentoso escritor Ejlet Lovbord (Sebastián Rapaccini).

Con el avance de la obra Hedda mostrará sus aspectos más oscuros con estos personajes y finalmente veremos también otro aspecto de Hedda que tiene que ver con sus miedos, su incapacidad de amar, su lucha interna por no perder su posición y las reglas que la rigen, pero a las que también critica y contra las cuales se rebela.

Cada palabra en esta pieza teatral define a los personajes y a sus individualidades, pero también es un drama de clases sociales, una clase alta y otra más humilde, el público escuchará esas dos voces que no se unen ni se comprenden pero que sobreviven cada una con su estrategia. La de Hedda será defenderla con la ferocidad de un animal y la de su marido, ahora en el ascenso esperado la de valorar cada cosa, aceptarla y agradecerla, convirtiendo los objetos en verdaderos símbolos como las zapatillas bordadas, el sombrero de su tía o el manuscrito de Lovbord.

Una obra que no se puede dejar de conocer y ver, donde los trabajos actorales son honestos y destacados y la dirección y puesta en escena acertada y efectiva. También porque en la sala donde se da esta obra, fundada hace casi 25 años se necesita de la colaboración de todos para seguir con las funciones y no se puede estar ajeno. Es quizás escuchar a Hedda decir: “Haga lo que quiera pero que sea con belleza” pero ser conscientes de que todo tiene un final y que Ibsen realizó también aquí una bienaventuranza de los humildes.


TEATRO LUISA VEHIL - Hipólito Yrigoyen 3133 - 4861-3386
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Cantando con Adriana "Cajita de sorpresas"

“Cajitas de sorpresas, 
trajimos para vos, 
de todos los tamaños, mil formas y color”…

Así comienza el espectáculo de Adriana Szusterman en el Teatro Astral, con una platea repleta de niños muy pequeños acompañados por padres, tíos, abuelos y cuidadores. Mientras canta la canción que da título al espectáculo desciende en una hamaca hacia el escenario rodeada de cajitas multicolores de distintas dimensiones.

Lo que sigue parece ser lo esperado, lo conocido, lo vigente, con el efectivo reciclado de la estructura de espectáculos anteriores pero con más cuidado en el guión, Adriana nos presenta un aspecto nuevo de viejos personajes que han sabido ganar el afecto y la ovación de los pequeños espectadores.

“Hay un montón de cajitas de sorpresa 
que alguien pensó especialmente para vos”

Cada Caja tiene una sorpresa simple pero necesaria, esperada por todos, la presencia de: Timoteo y su abuelo, Michu, Cholito, Lulú, los monos, los Conejos, los sapos Pepa y Poing Poing (“El sapo de los chicos”) y el robot Armando. Pero también cada caja nos trae besos, sonrisas, canciones, alegría, baile y diversión.

En todo momento, durante la hora y media de duración, los chicos son tenidos en cuenta como participantes activos en la propuesta. Pero no sólo las canciones tienen una temática pedagógica y de concientización, sino también las preguntas que se hacen desde el escenario, que los incluye en cada coreografía y juego. Adriana cuenta para eso con un grupo de bailarines, que lucen vestuarios, multicolores, que a su vez completan con belleza, sonrisas y juventud.

“la vida es una cajita de sorpresas, 
un popurrí de alegría y emoción”

El momento más destacado es el homenaje a la compositora y cantante argentina María Elena Walsh. Adriana nos ofrece junto con su hija Juli Strauch y su padre Saúl Szusterman en el piano, un momento de inmensa emoción. Se trata de un popurrí de canciones exitosas que trascienden lo didáctico y lo tradicional. Son bellas y actualizadas versiones en voces que se complementan en actuación, buen gusto y armonía.

Es muy conmovedor ver identificar a los chicos que levantan sus manos ante la pregunta: “¿Quienes vienen por primera vez a un teatro?”. Y lo es mucho más al reconocer la presencia de grupos que asistieron con referentes de organizaciones que trabajan con niños con dificultades sociales, culturales y económicas estimulando su capacidad creativa en la resolución de problemas.

“si con fuerza vos deseás que tus sueños se hagan realidad,
despacito y con confianza lo lograrás”

“Cajita de sorpresas” cuida cada detalle, cada comentario es breve y lleno de sentido como: “hay tiempo para disfrutar de cada instante dela vida”, “Papis ¿ustedes se acuerdan de su juguete favorito?”, “¿Alguna vez escribieron una carta a mamá o papá? ¿y lo grandes a los chicos?”.

Es así como a través del juego que permite el teatro, todos los niños en igualdad son convocados para descubrir la amistad como uno de losvalores afectivos más importantes de la vida, que puede ocurrir y ocurre en casi un instante, a los pocos minutos de relacionarnos, o a través de los años.  Y sólo queda afirmar que somos invitados para asistir a este encuentro amistoso para ver, escuchar, sentir y comprobar una vez más que la amistad es el verdadero valor del amor.


TEATRO ASTRAL - Av Corrientes 1639 - 4374-5707
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Quiero decir Te Amo

Siempre es mejor decirlo 

Todos los sábados un grupo de selectos espectadores disfrutan de las actuaciones de Yanina Gruden y Mariangeles Bonello protagonistas del espectáculo de género epistolar “Quiero decir te amo” que ofrece La Casona Iluminada en una de sus habitaciones del piso superior, con la Dirección y autoría de Mariano Tenconi Blanco.

Se trata de dos mujeres que nos hablan directo al corazón. Cuidándose de sus palabras a través de sus cartas de amor o en un canto de libertad a través de su diario íntimo. Luego comprobaremos que también hay poesía en estas palabras que son acompañadas y acentuadas  por la música de los intérpretes Ignacio Llobera en violín y Santiago Johnson en clarinete.

 Estas dos mujeres anónimas,  no dialogan entre sí sino hasta final donde se manifiesta el conflicto. Su vestuario hace referencia a dos grandes movimientos culturales y políticos: el  Románticismo y el Neclasicismo. Además se resalta la expresión femenina de dos clases sociales diferentes y complementarias, campo y ciudad, en el sentimiento amoroso.

Uno de los momentos más destacados de la sobresaliente Gruden es cuando interpreta el famoso y popular “Dúo de las flores” de la ópera “Lákmé” de Delibes y con una entonación impecable nos dice: “C’est l’heure ou je te vois sourire, l’heure bénie où je puis lire dans le cœur toujours” (“Este es el momento en que te veo sonreír, el tiempo de bendición cuando puedo leer siempre en el corazón”).

Los textos de ambas mujeres están dirigidos a cada espectador en particular, pero al mismo tiempo van construyendo la trama que le da sentido al hecho teatral que convoca. Varios elementos contribuyen en este trabajo, la puesta en escena que resalta un te amo escrito con lápiz labial en el único espejo, las sillas y sus ubicaciones que tienen mucho que ver con la plástica, con los cuadros del  siglo XIX.  Y la iluminación resuelta con veladores, inapelablemente puestos, prepara el claro/oscuro necesario para completar la búsqueda estética.

El tema de este espectáculo es el amor y las palabras, el amor como entendemos en occidente relacionado con el afecto y el apego, ese mismo que es capaz de producir una gran cantidad de sentimientos diferentes, que incluyen o no el erotismo. Las cartas y el diario tienen fechas precisas, la última se escribe un 14 de febrero: “el día de los enamorados”. Encierra la hipótesis de que este sentimiento es “un invento de mujeres”…  lejos se ser verdad con este recurso nos introduce en la reflexión de identidad femenina.


LA CASONA ILUMNADA - Av. Corrientes 1979 - 4953-4232
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Quince moños rojos

A la memoria de los sobrevivientes

Cuando ingresamos a la Casona donde funciona la Sala Corrientes Azul, recorremos un largo pasillo con imágenes pintadas en las paredes, retratos de personas que fueron y son muy importantes para nuestra historia cultural y teatral argentina, así también “Quince Moños” es una obra que no debe pasar inadvertida para recordarnos nuestra identidad.

Silvia Ramos, dramaturga y actriz de este relato nos lleva hasta lo más profundo y privado de una historia familiar, nos devela el dolor que hereda de su madre y de su abuela sobrevivientes del Terrorismo de Estado o de la Guerra Civil española.

En este unipersonal a Laura, la protagonista, le cuesta saber quién es y nosotros, público, de a poco nos iremos dando cuenta, que nos vamos formando con la memoria, con nuestras experiencias de niño y adolescencia, con las cosas que nos dicen nuestros padres, es decir con nuestros recuerdos y los heredados, por más angustiosos que estos sean.

Laura está en el escenario rodeada de objetos de su casa familiar, la silla de ruedas de su madre enferma, el tablero de ajedrez con el que jugó con su padre, las libretas o diario íntimo que escribía su madre y la canción que constantemente cantaba,cuya letra repite el título de este espectáculo y vuelve a repetirse en un tarareo nostálgico para trasladarnos a otros sitios.

El pasado y presente se confunden con la anécdota real, y la obra adquiere un carácter autoreferencial de gran duelo y fuerza expresiva, secreta e intensa con breves momentos de humor. La dirección de Gabriel Picone quién evoca con precisos y ajustados recursos los personajes ausentes necesarios para que la historia se reconozca más fluidamente.

Esta obra nos hará pensar sobre los afectos, los silencios, los reclamos, las caricias perdidas y la salvación. Las heroicas mujeres, sobrevivientes de las crueldades y ofensas más atroces del genocidio, mujeres necesariamente fuertes que privadas de su condición de femineidad, lograron reconstruirse para rozar nuevamente la esperanza aún desde el silencio y la confusión.

Quizás conocer nuestra historia, sus secretos, sus humillaciones, sus torturas, nos produzca lágrimas y emoción verdadera pero más tarde o más temprano nos permitirá descubrirnos y saber quiénes somos, “Quince Moños Rojos” nos ayudará a darnos cuenta del valor de comenzar a hablar de estas cosas. Osvaldo Soriano (una de las imágenes que atravesamos al salir del lugar) dijo una vez “Uno siempre anda buscando sus orígenes: ¡Nuestra identidad!”, de esto se trata.


SALA CORRIENTES AZUL - Av. Corrientes 5965 - 4854-1048
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Fena Della Maggiora "Nosedonde"

Presenta su nuevo disco con artistas invitados

Fena Della Maggiora, presentó su nuevo disco “Nosedonde” en el “living de Palermo” como llaman los músicos a la Sala Siranush. El recital comenzó pasadas las 21 horas y lo que siguió fue una verdadera garantía de buena música, comida, bebidas y luces.

“Nosedonde” es un disco que tiene diez canciones originales que recorren ritmos latinoamericanos combinados con el rock, como por ejemplo la rumba, el reggae o el folk. Los temas de este reciente material que interpretaron son “Vino Añejo” “Cuando duelo”, “Princesa Junco”, “Alma oscura y clara” y “Soy”, entre otros.

En esta presentación lo acompañaron los músicos David Bensimon (guitarra eléctrica y acústica), Mauro Cambarieri (bajo, guitarra y teclados), Matías Miguel (guitarra), Emiliano Gimenez (bateria y percusión), Fede Montero (guitarra) y Diego Guagnini (guitarra) que también cantan.

“Fena” comenzó su carrera en la década de los ochenta junto al músico y humorista Horacio Fontova, proyecto del cual se alejó para formar su propia banda denominada Fena y Los Gómez, con la que editó un disco apadrinado por Charly García, titulado “Juego de palabras” en 1987. Saltó a la fama después de su participación en el programa de TV VideoMatch, conducido por Marcelo Tinelli, donde interpretaba a un periodista que informaba rapeando.

Lejos de esa época conmovió y sorprendió con su excelente versión del tema de Silvio Rodríguez, “Sueño con Serpientes” que fue lo más aplaudido por el público de la noche,  entre ellos dos periodistas y admiradores: Horacio Verbitsky y Víctor Hugo Morales.

Otros momentos de goce absoluto fueron los sets acústicos de temas nuevos, verdadero despliegue de talento. Sin olvidar, las canciones más íntimas que dedicará a sus pequeños hijos presentes en la sala.

El multifacético Fena, actor, productor de programas de TV, escritor y músico se mostró muy conmovido también por la situación de desprotección que se vivió en la ciudad a raíz de las inundaciones. Y se sumó, como muchos otros artistas con un gesto solidario, ofreciendo importantes descuentos en las entradas a cambio de colaboración con frazadas, leche, agua y lavandina

Pero la gran sorpresa de la noche fue cuando presentó a Fito Páez para tocar el piano de estilo que aguardaba su presencia en el escenario y a Pity Alvarez, lides del grupo “Viejas Locas” para acompañarlo en una de las canciones dedicadas a Luis Alberto Spinetta  para cerrar y ratificar una verdadera fiesta, brillante desenlace para este exitoso ciclo que iguala en calidad y supera cada vez más en público.


SALA SIRANUSH - Armenia 1353 - 4775-2877
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Gabinete B.A. Teatro para un espectador

01- Opicentro (óperaprima)

Leonardo Medel, cineasta chileno, creo un dispositivo teatral que consta de una estructura  de 2,70 metros de largo por 1,57 de alto y 1 metro de ancho. El espectador ingresa al gabinete de manera individual y se produce el hecho teatral respetando los elementos básicos necesarios: actor y público.

Esta experiencia, desarrollada desde enero de 2010, lleva más de 40 obras en escena y llega por primera vez a la Argentina a través de la red de gabinetes (www.reddegabinetes.cl), para quedarse con viento a favor en la Sala Timbre 4.

La pieza teatral que se representa “01- Opicentro (óperaprima)” tiene una duración de 5 minutos, con 45 segundos. Se trata de un texto construido a partir de las obras “El canto del cisne” de Anton Chejov y “Manual de urbanidad y buenas maneras para uso de la juventud de ambos sexos o Manual de Careño” de Manuel Antonio Careño Muñoz con la Dirección y coautoría de Felipe Rubio Morales de nacionalidad chilena.

Lo que ocurre a continuación es un hecho único, insuperable y personalizado. Rubio Morales, anota nuestro nombre en una libreta y nos cuenta las reglas de comienzo y fin de la función. A continuación nos lee la regla número 12 del “Capítulo 5: Del Modo de conducirnos en los espectáculos” del “Manual de Carreño”. El autor venezolano en su conocido manual recoge las reglas sobre buenos modales para relacionarse con los demás en contextos sociales, con un estilo formal y conservador.

Todo contribuye para que crezca la curiosidad y queramos pronto develar el misterio. Las actuaciones están a cargo de Julio Rosemberg y Luz Moreira, también coautores, junto con Rubio Morales y Gonzalo Velozo, que diseñó el gabinete. Las funciones son los días jueves y viernes, se comienza alas 19 horas y termina a las 20:30, esto significa alrededor de doce funciones por día aproximadamente. El precio de la entrada es voluntario.

Advertir con más información sería casi ir en contra de lo que puedan experimentar. Como espectadora sólo les puedo compartir que esta experiencia me ha conmovido profundamente, me ha modificado, quizás haya sido la historia, la cercanía con los actores, sus voces, sus gestos, su vestimenta, la música utilizada, el uso de la luz o su estilo casi surrealista, o mejor, la combinación de todo eso junto en ese pequeño espacio. Anímense a vivenciarlo, a sentirlo. Esto es breve y buen teatro.


TIMBRE 4 - Mexico 3554 / Boedo 640 - 49324395
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La Malcriada

Ópera Insolente

En el Molière Teatro, Verónica Díaz Benavente presentó la última función teatral del espectáculo de su autoría “La Malcriada, ópera insolente”. Se trata de un concierto donde la actriz y cantante interpreta las conocidas óperas como “La Flauta Mágica” de Mozart, “La Traviata” de Verdi, “Carmen” de Bizet, “Tosca” y “Madame Butterfly” de Puccini, entre otras.

El personaje que encarna es el de una cantante soprano venida a menos en su fama. Sin embargo, a pesar de su situación de crisis, la Diva no deja de ser consentida, caprichosa y descortés. La acompaña en escena su pianista, Damián Roger, quién también expresa su talento musical.Pero no se trata solamente de un concierto de música culta, sino que es un espectáculo de humor dramático con un estilo muy personal que nos habla de nosotros mismos, de nuestra vida, nuestros fracasos, los vínculos familiares, los miedos y la relación de pareja.

La dirección está a cargo de Rodrigo Cárdenas quién además supo utilizar buenos y efectivos recursos escenográficos, de utilería, vestuario, maquillaje e iluminación. En un escenario casi despojado con las voces en off de Jorge Luis Rabuffetti, Valentina Díaz, Paula Casabona y la suya propia, Cárdenas logra sumar y combinar en el desarrollo histriónico que Díaz Benavente propone una gran dosis de sensibilidad, energía y talento.

El público no sólo disfrutará de la ductilidad y la voz fresca y afinada de la artista y de la multiplicidad de su repertorio que incluye hasta zarzuelas, sino también de su relato que nos sumerge en los episodios al que se expone una niña para llegar a brillar en el mundo del canto lírico que exige al menos esfuerzo, estudio y dedicación.Lo que sigue será un disfrute magistral casi sin interrupciones como su versión de “Summertime” de Gershwin y las demás arias interpretadas en los idiomas originales como el francés o en alemán. Lo más destacado de la propuesta reside en que es espectáculo está concebido con unidades teatrales, donde Díaz Benavente con su sólida formación imprime cuotas de humor en un ritmo justo que aproxima demasiado a lo perfecto.

Finalmente hay otra intención en este espectáculo que no pasa desapercibido y consiste en acercarnos a todos la ópera, colabora y profundiza con su evolución e innovación con humildad. “La Malcriada, Opera Insolente” continuará transmitiendo emociones todos los domingos a las 20 hs. en el Teatro El Ópalo, Junín 380 y el 27 de abril en Osmecón Salud, Ayacucho 2350, San Martín.


MOLIERE TEATRO CONCERT - Balcarce 682 CABA - 4343-0777
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La noche del ángel

Cuidar al más indefenso

En el Teatro El Picadero, ícono de la memoria de la cultura de la resistencia, se presenta la obra del multipremiado dramaturgo italiano Furio Bordón, adaptada y dirigida por actor Federico Luppi.

El autor toma lo que él llama “la edad indefensa” y da una cachetada a la indiferencia, a la hipocresía y a liviandad con el muchas veces los adultos tratamos a los niños más desprotegidos. Aborda el tema del incesto y el abuso infantil. Se mete en el mundo del psicoanálisis y con la “Teoría dela Sexualidad” de Freud, critica la afirmación de “seducción originaria” y cuestiona la forma en que la psicología encara la resolución del daño.

La historia que se nos cuenta tiene tres protagonistas: un padre (Federico Luppi), su hija (Susana Hornos) y un adolescente (Nehuen Zapata). La acción transcurre en una noche, en casa de Ana, único personaje que nos dará su nombre y no casualmente será el mismo con que Freud llamó a su primer paciente.El padre, famoso actor ensaya “Ricardo III” de Shakespeare mientras espera la llegada de su hija. Ella, psicóloga, trata de controlar su enojo por la presencia inesperada y entonces comienza un verdadero duelo de teatro y poesía que será interrumpido por la aparición de un fantasma, joven paciente de ella, que aparece con su marioneta y los obligará simplemente a escucharse.

Las actuaciones son convincentes, Luppi reina en el recorrido de los textos de Shakespeare o Chejov que se utiliza en la obra, sus personajes son soberbios, cínicos y tiene momentos llenos de ternura. Su doble rol de actor y director es ovacionado por el público.

Pero quién se destaca verdaderamente por la solvencia de su trabajo es la actriz española Susana Hornos, recientemente premiada como mejor actriz en el Festival de Toulouse por “Pasos” donde interpreta un personaje similar. Sucede que no ha descuidado ningún detalle en la construcción de su personaje, es meticulosa, obsesiva, valiente. Un encanto para el espectador observarla en una pasión desenfrenada que esconde en el correcto comportamiento de la profesional que interpreta. Y sus relatos nos invitan a visualizar las mismas imágenes que sus palabras nos despliegan.

La escenografía señala y resalta los espacios de cada personaje y sus características. Hay un escritorio con fichero de pacientes, un sillón con una corona, una mesa y una silla. La iluminación acentuará el contraste y el uso de los lugares. Sobre ellos cuelgan dibujos infantiles para recordarnos todo el tiempo de que estamos hablando del amor y de sus heridas. La obra tiene música original de Iván Nilson.

En la obra “La Noche del Angel” los personajes tienen diferentes miradas de la niñez y de su desarrollo, sobre el mundo real y el mundo de fantasía. La obra dura aproximadamente dos horas que son realmente llevaderas. Conoceremos el pasado privado y público de los personajes, su infancia, su historia. Sonreiremos con sus anécdotas, nos emocionaremos en forma intensa y la obra nos conmoverá en forma insospechada porque Furio Bordón que siempre sostuvo que “El teatro tiene la cualidad de analizar el malestar social de este mundo” con esta obra lo logra.


TEATRO PICADERO - Pasaje Discépolo 1857 CABA - 5199 5793
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Buscando a Madonna

Emilia Mazer en Mar del Plata

Emilia Mazer re-estreno en Mar del Plata su unipersonal “Buscando a Madonna”. El texto es una adaptación de la novela homónima escrita por Enrique Medina en 1987, que la actriz y directora logró llevar adelante con la colaboración del director Carlos Demartino y la asistencia de Nicolás Conde.

Emilia se pone en la piel de María Lucía Rodríguez, Lucy, una adolescente que reparte estampitas de San Cayetano en los colectivos, es fanática de Madonna y tiene mucho para decir.

Cuando el espectador se sienta en las gradas de la nueva sala marplatense, puede ver hacia la izquierda la imagen del rostro de Madonna sostenida por un palo y una percha que ofician de perchero y a la derecha un sillón de colectivo rodeado de bollos de papel de diario. Estos serán los únicos elementos escenográficos, que además de los sonidos y la música, la puesta y efectos de luces sostendrán la dinámica del relato.

Lo primero que escuchamos es el sonido ambiente de calle y el tema "La Isla Bonita" (que alcanzara difusión el mismo año que Medina escribió su novela), cuya letra fue reescrita por la propia Madonna e incluye cuatro estrofas en español. “Tropical the island breeze, all of nature wild and free, this is where I long to be” (“La brisa tropical de la isla, toda la naturaleza salvaje y libre, aquí es donde anhelo estar”) se convierte en el lemotiv a lo largo de la propuesta.Lucy ingresa entre el público para contar su historia y “darles la posibilidad a los que son creyentes y a los que no lo son de conseguir un futuro mejor”. Viste un short de Jean gastado, zapatillas y una remera con la cara de su ídola. Lleva debajo un corset negro que deja descubrir en los momentos más crudos de su biografía.

Durante los casi sesenta minutos que dura el espectáculo Emilia Mazer no sólo interpreta con solvencia su personaje y tiene la ductilidad para atravesar por los diferentes estados en el compromiso cierto con su trabajo, sino que además le suma vitalidad y entrenamiento constante. No es para menos, Lucy desborda de energía, se mueve con libertad en todo el espacio, pega saltos, giros, baila, se va al piso, rueda y está en constante movimiento.

Conoceremos a Lucy y escucharemos también a Madonna a través de trozos de sus canciones más populares como "Like a Player", "God doesn´t care about record sales", Vogue”, “Hey Mr. Dj”, “Justify my Love” o “Papa don`t preach”, entre otras.Después interactuar con buenas, sencillas y malas palabras que carecen de connotaciones agresivas, va logrando que se la siga casi sin despegar la atención, por la frescura con la que cuestiona su mundo, nuestro mundo. Es que Lucy construye y destruye su mirada desde que Madonna le sacó de la cabeza las ideas suicidas gracias a su capacidad de reinventar continuamente su música y su imagen o simplemente porque "Life is a mystery".

En una entrevista con la revista Vanity Fair, Madonna comentó que en su juventud se vio a sí misma como una “chica solitaria que estaba buscando algo” y Lucy también nos confiesa que se ve así, frecuenta discotecas, tiene amigos de su edad, se enamora. “¿Vos estas enamorada? ¿Vos? ¿Y vos?” pregunta cada semana, vive situaciones difíciles y violentas con su madre, de abuso con su padre, nos habla de sexo, de las drogas, del estudio, de la pobreza, del amor y de la religión mientras nos canta “you`re so fine and you`re mine” de la canción “Like a the Virgin”.

Como la política abarca todo, la protagonista tiene un punto de vista sobre la vida y las cosas: "Haz lo que quieras igual hablarán mal de ti", tal como dijera alguna vez la “Reina del pop”. Es sublime la interpretación de Mazer en el segmento que rememora a Eva Perón cuando la voz de Lucy se refiere a la injusticia social y logra sutilmente el tono del discurso justo para fundirlo en un canto sentido en "Don´t craig for Me Argentina". Y también lo son sus espontaneas opiniones sobre el diario de recortes de actualidad.

“Buscando a Madonna” fue concebido hace veinte años, fue nominado a los Premios Ace en 1994 como “Mejor Unipersonal”. Mazer presentó el espectáculo en España, Uruguay, Buenos Aires y el interior del país.La vida de Lucy transcurre en un hogar, donde abundan esos recuerdos que nadie quisiera tener, pero a pesar de atravesar ese camino, sus sueños no se desvanecen y sus fantasías impregnadas del éxito que dan la fama, la popularidad y el poder, se convierten en el único escape para sobrevivir.

Si bien el público podrá disfrutar y reírse, el espectador sensible se irá del teatro afectado y con la rara sensación de que “hay cosas que no se explican y punto” o tal vez porque el mismo autor sabe bien que la problemática social de adversidad que plantea la obra, requiere la valentía justa para alimentar la llama que hay en cada uno de nosotros y encontrar luz en la oscuridad, sólo dependerá de la búsqueda que iniciemos nosotros mismos para poder reconocer lo que encontremos en el camino.


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Simpatía

De gatitos, amor y de muerte

Se llama “Simpatía” a la capacidad de percibir situaciones de manera similar a la persona involucrada. Esto es preocupación, participación, deseos de aliviar sentimientos de dolor que la otra persona está recibiendo o sufriendo. Nunca mejor puesto este título a la obra de teatro homónima de Hernán Morán que estrenara en setiembre de 2012.

“Simpatía” es una “Comedia liviana” resultado de un trabajo de improvisación con siete actores. Tiene escenas breves, simples pero que resultan llenas de humor a pesar de su dramatismo. Ocurre que nos sorprendemos al reconocernos en el texto, en las formas de transitar el dolor, en las emociones y en los sueños de estos personajes.

Se nos cuenta tres historias que se relacionan entre sí: la de los hermanos Ofelia, actriz (Julia Pregliasco) y Julián, músico (Andres Passeri) que después de la muerte de su madre vuelven a vivir juntos; la del veterinario Fernando (Sebastían Suñe) que se muda con Juana, veterinaria especializada en ganado, (Vanesa Strauch) a General Rodríguez después de una reciente separación y recibe la visita de Marianela, una religiosa que no parece serlo,(Pilar Abedin) y por último la de Lucía (Julia Amore) que lleva su gata a la veterinaria de Fernando, y se entera por Felipe (Juan Manuel Zuluguana) veterinario a cargo, que debe sacrificar al animal.

Las actuaciones son realmente buenas en conjunto y se destacan los trabajos de Adriana Pregliasco, Julia Amore y Andrés Passeri. La inclusión de tema “Te Amo” de Maruja Bustamante y Oti Ocampo también es un hallazgo ya que se reitera en el final junto con la resolución de las historias y su parentesco entre sí poco tiempo después.La obra es cotidiana y en todas las escenas representadas nos advierte sobre las formas de vincularnos para soportar ese dolor en compañía, en un sentido solidario de crear un sentimiento compartido quizás para distribuir ese sentimiento de infelicidad.

Todo convive en un mismo espacio, con una escenografía funcional y sobria. Compuesta por pocos y necesarios elementos, entre ellos un sillón, una mesa y un armario, una jaula, una guitarra. La puesta se completa con una buena iluminación, el uso de la música y los telones que aprovechan el espacio de Abasto Social Club.

La dirección está a cargo de Hernán Morán y María Urtubey junto con el trabajo de los actores que nos ofrecen una verdadera riqueza de recursos no verbales que producen risa en los espectadores es lo más destacado de esta propuesta. El dramaturgo español Jacinto Benavente sostiene con razón: “Nada prende tan pronto de unas almas a otras como esta simpatía de la risa”.


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Romeo y Julieta

El canto de los enamorados de Verona

Héctor Presa se anima esta vez con la adaptación y dirección de “Romeo y Julieta”, conocida pieza teatral de William Shakespeare escrita en 1597, seguramente la más escenificada en todo el mundo desde hace cinco siglos.

Esta versión abreviada se aleja de la estética renacentista sin romper con el espíritu de la obra. La buena elección de la traducción del poeta Pablo Neruda dimensiona y potencia la recreación del lenguaje.

Los jardines del Museo Enrique Larreta imprimen el aspecto mágico necesario, donde las especies de arboles exoticos y nativos enmarcan el espacio ideal propuesto por el autor. Desde la recepción con las macetas colgantes en el camino se satisfacen nuestros sentidos: el oído con el murmullo de agua en cercanía de la fuente, el olfato por el perfume de las flores, la visión y tacto por diferentes brisas y texturas de baldosas, ladrillos, tierra y ripio.

El público que se acerca es de lo más diverso, mayormente familias y muchos jóvenes, se sientan en las gradas de madera y esperan predispuestos a trasladarse a los tiempos donde se desarrollo esta conocida historia de amor entre Montescos y Capuletos que se odiaban por diferencias.No es casual que algunos de los presentes reconozcan y repitan los esperados versos de la segunda escena del acto dos (Escena del Balcón) con Guillermina Calicchio (Julieta): ¿Qué es Montesco? No es un pie, ni una mano, / no es un rostro, ni un brazo, no es ninguna / parte del hombre. ¡Cambia de apellido!”… ni tampoco que lo haga con Julián Puchetta (Romeo): “Te tomo la palabra. Desde ahora / llámame sólo Amor. Que me bauticen / otra vez, dejo de ser Romeo”.

O que se cante simplemente al reconocer las popularísimas letras de Charly García, Lito Nebbia o Joan Manuel Serrat. Sucede que “La gran Bestia Pop” de Los Redonditos de Ricota; “Te quiero” de Mario Benedetti y Alberto Favero y “Tumbas de la Gloria” de Fito Paez, entre otras canciones van uniendo las escenas y nos llevan de la mano hacia una expresión nacional, que lejos de la solemnidad del clásico, nos acercan a la poesía que llega a todos. Y por si hay algún distraído que desconoce este drama también será conmovido por el fuego cristalino que arde en el lugar sin desaparecerse.

Sucede que Presa tiene un concepto estético con objetivos claros pensando siempre desde la mirada del espectador que busca sorprenderse, entretenerse y su larga experiencia en el género musical lo avala. La comedia y la tragedia que esta pieza universal propone junto con la música, el vestuario, la coreografía, los colores, la poesía, todo en su justa medida contribuyen y resumen un nuevo concepto de pequeña belleza que nos hace simplemente disfrutar.

Completan el elenco Mónica Buscaglia, Mónica Santibañez y Osvaldo Bermúdez cuyos trabajos se evidencian tan sólidos como el de los protagonistas, al desdoblarse en los restantes personajes: Mercurio, Teobaldo, Fray Lorenzo, el Ama, los padres de Julieta, París y hasta el Príncipe de Verona. Todos a excepción de los jóvenes, visten de negro y combinan la utilización de máscaras de acuerdo a los personajes.Sin embargo las escenas más destacadas las logran Buscaglia (Fray Lorenzo) y Puchetta (Romeo) cuya caracterización es generosa en recursos precisos. Siguen las de Santibañez (Ama) y Calicchio (Julieta) que logran picos vocales de expresión codiciada.

La obra está resuelta en forma sencilla y ágil. El escenario está despojado, con una autentica luna de noche al aire libre, y solo cinco largas telas blancas que cuelgan del techo escénico nos recrean los espacios al ser ubicadas de diferentes maneras por los actores: simulando columnas, balcón, lecho de muerte, etc. La iluminación con colores acordes puntualiza los segmentos ocupados y la coreografía que interactiva completan el relato.

Héctor Presa dirige la compañía teatral “La Galera Encantada” integrada por unos catorce actores que van rotando en diferentes espectáculos y una historia que sumó más de 170 integrantes en el aprendizaje creativo. Este año cumplirá treinta y cinco de trayectoria y diez temporadas de espectáculos al aire libre. Marca y calidad que ya es referencia en el teatro infantil, reiteran su reputación con los adolescentes y adultos y los espectadores presentes agradecen con un fervoroso aplauso y repiten su saludo a los actores que esperan el reencuentro en el Jardín del Museo.

La máxima de español Baltazar Gracián que cultivó la prosa didáctica “lo breve si es bueno, dos veces bueno” es la más apropiada para esta versión de “Romeo y Julieta” que contribuye a acercar a los jóvenes a la literatura universal y urbana. Y a todos a reflexionar sobre la necesidad de este triste final para sellar el verdadero "Símbolo de paz".


MUSEO DE ARTE ESPAÑOL ENRIQUE LARRETA - Juramento 2291 - 4784-4040 / 4783-2640
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