Quereme como quiero

Comedia sobre las "crisis" amorosas de la vida en pareja

“Quereme como quiero” es una comedia de situaciones escrita y dirigida por Gina Piccirilli que bien podría llevarse desde El Teatro El Damero donde realiza sus funciones para sólo 31 espectadores a la masividad de la televisión abierta. 

Los protagonistas son Luciana Conti y Adrián Molteni, Adriana Castelli y Claudio Agulló, Marina Wein y Augusto Bacchiani, Andrea Giase y Alejandro Buonanno; cuatro parejas de amigos que se encuentran por género y comparten las realidades de su convivencia conyugal. El tema principal es el amor, que se manifiesta en diferentes fases, tipologías y edades, incluyendo sus  luchas y desavenencias que dan paso a su desengaño o desilusión donde corre el riesgo de desaparecer. 

Se trata de historias de personas enamoradas de sus parejas que sufren diferentes crisis que desencadenan en momentáneas separaciones. A esto se suma, las confesiones frente a un grupo de amigos que están dispuestos a proponer, insinuar y sugerir ayudas para evitar sufrir los mismos desencantos. Nos identificaremos con cuatro historias llevadas hasta el  límite. La pieza obliga a los personajes a redescubrir en libertad las misteriosas necesidades personales sobre del amor, que iluminaron a priori a los amantes pero que ya empezaban a olvidarse en la monotonía de la convivencia. 

La esencia y acierto de la propuesta se logra al emprender este desafío desde un humor franco y fresco propio de la sitcom, género que gusta desde sus inicios porque habla de lo más afirmado a la realidad donde cruzan caminos el arte y lo social. Aunque para ser justos, los dramaturgos y actores actuales pueden encontrar en Aristófanes el modelo ancestral, empleado con maestría, de la ridiculización de cualquier intriga o situación social, con nombre y apellido. Donde el hombre se ríe de si mismo, de sus miserias y de sus tragedias.

Así con una puesta que mantiene al espectador al pendiente, con buenas interpretaciones y un logrado casting transcurren las escenas, siguiendo a los personajes habitaremos otros escenarios, iremos del departamento de Ana al bar a reunirnos con sus amigas o de la reunión de amigos volveremos con Aldo a casa a ver el partido de river y en el camino nos cruzaremos con Jorge. La obra permite también explorar diferentes puntos de vista, todo vestuario, escenografía, luces es eficiente y verosímil. 

La elección de la música enriquece y abre una dimensión de leve profundidad aunque esté estipulada con rigor para ser remate de cada “gag”. Por último, para que pueda cumplir con todos los elementos del género enunciado más arriba, es necesario que vincule los personajes con las experiencias personales del público, esto se logra cuando al final Diego realiza un sorteo con las localidades y algún priveligiado/a se hace acreedor de un obsequio muy bien envuelto para preservar con total discreción su contenido.

Gina Piccirilli es además docente y coach de actores. Actualmente tiene en cartel la dirección de “Yo me lo guiso, yo me lo como” en el Teatro De La Comedia que estreno en 2012 en su sala. Se formó con Agustín Alezzo y alterna su residencia con España. En la ciudad de Buenos Aires creo el Centro de Formación de Entrenamiento de Actores que lleva su nombre y el Teatro El Damero. Allí realiza talleres de actuación, puesta en escena y dirección teatral. 

Recomiendo este espectáculo y les auguro aún mayor éxito porque sin proponerse más que abrazar la profesión que eligen día a día logran sostener el interés de las personas que convocan, provocan interrogantes y un cúmulo de risas. Apto para parejas, grupos de amigos, compañeros de trabajo del equipo y de la red de espectadores que agotan localidades viernes tras viernes desde su estreno.

TEATRO EL DAMERO DE GINA PICCIRILLI - Dean Funes 506 - 2060-2278

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Liliana Vitale en Pista Urbana

Celebración Pacha Urbana

Sábado 1 de agosto de agosto, día de celebración de la Mama Pacha en Pista Urbana, son alrededor de las 21 y 30 y ya antes de ingresar se observa el brasero con el fuego ardiente en la vereda. Muchas personas esperan por entrar. Se agregan las mesas y se traen más sillas, se propone a unos juntarse con los otros, todo se hace con calma y se está pendiente de los detalles. La gran cita que convoca es, una vez más, escuchar cantar a Liliana Vitale.

La oscuridad hace resaltar aún más el brillo de las velas que iluminan las ofrendas, la caña, la maceta con tierra y la deidad representada por la escultura originaria de cerámica precolombina que se dispuso para el ritual; todo está preparado para que se inicie el encuentro. La puerta de vidrio que da a la calle se abre y llega Liliana, cubriendo su vestuario con un poncho blanco, se acerca al pequeño altar y entrega su ofrenda mientras interpreta sin más instrumento que su voz “Ella Canta” del disco intimista “La Vida en los Pliegues”, sobre textos de Henri Michaux.

Luego sigue la presentación de los músicos: Ana Ponce y Facundo Guevara en percusión, Eliana Liuni en Vientos, ellos tres la acompañaron también en su CD-DVD “Al Día” nominado a los Premios Gardel en 2014 en la categoría Mejor DVD; se suman los familiares Luciano Vitale, el sobrino, en contrabajo quien tuvo participación en el disco “Al Amparo del Cielo” tocando el charango, Lito Vitale, hermano menor, magnifico pianista y productor de musical de muchos de sus discos, entre ellos el de piano y voz dedicado al tango “Mujer y Argentina” y Esther Soto, madre de ambos, productora ejecutiva de “Ciclo Tres” el primer sello discográfico independiente, entre el público presente. 

“Celebramos la tierra nuestra que nos alimenta para que acá también sepamos que hay un cielo y un suelo, aunque la carpeta asfáltica lo tape, fuego en la vereda para ahumar las penas y quemar los miedos, tierra en la maceta para sembrar lo que sigue, agua en botella de vidrio, aire de nuestras respiraciones apasionadas”, nos dice Vitale mientras presenta las músicas y la poesía reincidente de autores como Alberto Muñoz, Atahualpa Yupanqui, Silvio Rodríguez, Luis Alberto Spinetta, Maria Elena Walsh y otros del repertorio de su historia musical.

Es difícil describir lo que sucede a partir de ahora, no sólo es la elección del repertorio sino que se agrega el oficio del canto como trabajo y la integridad en la expresión desde la cual la música se hace propia,  exigiéndonos a ser oyentes participantes, cercanos y atentos a la calidad de cada sonido, invitándonos a un “viaje” musical  por el tango, el rock, el folclore y hasta algún bolero de una época en la cual más de una generación nos reconocemos produciéndose así  el paso una comunicación más profunda que sólo se da con artistas que tiñen su arte con el amor por la música y en este caso también por el canto.

“Hay que escuchar el canto del agua / Que retorna que vuelve / Que se da”… “La lucha nunca se termina / Da ganas lo desconocido / Cerdos y peces / Hay destino / ¿Lloverá? / Incertidumbre de lo que vendrá”… “A veces es un salmo / Entonado entre dientes / A veces un tumbado / Golpes bajos / Pulsión”…  “Nuestro amor...  / Nuestro amor atonal  / Nuestro amor del nagual / El brillo de las hojas / El abismo y el mar / El salto de los dos / Larai larai lará” de “Son de Agua”, “Desaparecer en el amor” y “Atonal”, los últimos dos del disco “El Beneficio de la Duda” todos momentos intensos donde florece también como compositora.  

Luego siguen las canciones que conocemos todos, Liliana Vitale, logra que los concurrentes también se abran a la experiencia del canto, se sumen a escuchar sus propias voces y  quedarse con la sensación de haber sido modificados, asimilando en el proceso no sólo melodías, ritmos, armonías y silencios sino también conceptos, actitudes y un sistema de creencias ecológicas y sociales cuyo ritual es necesariamente de reciprocidad.

Después de dos bises, los presentes son invitados a probar la caña preparada especialmente para la ocasión, el lugar de muebles de madera queda más calido después del show, alrededor hay objetos antiguos e imágenes de santos de todos los credos. Ya los desconocidos comienzan a hacerse amigos y salen a avivar el fuego y ponerse juntos alrededor, cada cual con su intensión pero todos iluminando los sueños por crear. En Chacabuco al 800, frente al Teatro Margarita Xirgu y al lado del bar El Refuerzo suceden estas cosas desde hace exactamente un año y Liliana Vitale canta en Pista Urbana una vez por mes. La lluvia anunciada aún no llega, las fotos permanecen en la memoria y la luna llena sigue iluminando en el barrio de San Telmo.

PISTA URBANA - Chacabuco 874 - 4361-3015

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Eso que vos y yo llamamos plenitud

Interrogaciones sobre el Derecho a la Vida​​

El multipremiado Director Mauro Molina, responsable de la dramaturgia y la puesta en escena de la obra “Eso que vos y yo llamamos plenitud” vuelve a explorar temáticas sociales poco frecuentes en el teatro y logra con recursos inusuales que el público se interrogue acerca de las convicciones que tiene en relación a la eutanasia.

La historia tiene como protagonista a una mujer de treinta años llamada María, quien tras un accidente automovilístico sufre un fuerte trastorno de sus funciones cerebrales con peligro de muerte y se encuentra hospitalizada en el mismo estado de salud desde hace cinco años. Sin embargo, no se trata solamente de la “crónica de una muerte anunciada” sino que el autor logra intervenir el drama para ofrecer diferentes niveles de re-lecturas.

Así, nos introduce en un espacio por muchos conocido: la sala de hospital o casa de salud, donde la protagonista María Viau es visitada en el día de su cumpleaños por Javier Pedersoli, su marido.  La paciente se encuentra al cuidado de Valeria Tercia, la enfermera y de Gabriel Yamil, el medico de guardia asistencial, estos dos últimos personajes proponen con sus caracterizaciones una suma de frescura y desconcierto al espectador ya que nos ingresan en un grotesco criollo: llevando el tono de la comicidad y el drama. Aportan a la ficción el humor negro y la ironía.

Otro plano del relato es el que brinda el espacio para lo onírico, el mundo de la imaginación y fantasías de María, el universo surrealista donde nos revela sus deseos y conocemos su forma auténtica de pensar y sentir, desde allí nos pide, suplica y ruega intervenir para cambiar su futuro, repitiendo una y otra vez “desconectáme”. Se suma un personaje  que habita, actúa y baila entre todos, Mauricio Borzone que es la totémica rata por descubrir, que utiliza la máscara de la excelente realizadora Valeria Dalmon.

Por último, Molina propone el juego de fusionar lo ocurrido en la escena con el recurso audiovisual, y lo hace un material de destacada edición técnica que proyecta imágenes de infancia, juventud y vida en pareja. Con gran acierto logra actualizar el pasado eternizado en los viejos videos, y combinar a través de este lenguaje momentos intensos llenos de vida que la protagonista añora revivir para gozar igual plenitud. 

La obra propone hablar del placer del instante en el que una persona se siente dichosa y plena de vida pero eso es sólo lo aparente por debajo laten las preguntas… ¿la alimentación y la hidratación a un paciente son tratamientos humanos o médicos? y obliga a tomar una postura personal frente al acto de provocar intencionalmente la muerte de una persona que sufre, y aunque previamente ya la tuviéramos,  la fuerte identificación con la protagonista que desborda en capacidad y oficio en su interpretación como también lo hacen sus compañeros en especial Gabriel Yamil, logran que busquemos apartarnos de la incomodidad que produce notar que este tema tan serio pueda abordarse con cruda ironía e incluso lograr que esbocemos sonrisas.

Muy buen trabajo actoral, con brillos que ponen en evidencia que los talentos personales si están bien dirigidos siempre suman al equipo, un texto provocador con algunas escenas que rozan lo obsceno que quizás son innecesarias porque resaltan lo que ya se entiende pero lo más destacado es que se nos invita a la reflexión conjunta de cómo el teatro sigue realizando aportes valiosos y de actualidad cuando se debate sobre la vida. Esto sucede cada jueves a las 21:30 en el Camarín de las Musas, Mario Bravo 960 y cuenta con música original.

El CAMARÍN DE LAS MUSAS - Mario Bravo 960 - 4862-0655

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Claribel Medina & Nacho Abad "Dos Minutos de Ventaja"

Para animarse y fortalecerse.

“Dos segundos de ventaja” es una de las canciones compuestas por Claribel Medina y Nacho Abad que se puede escuchar si optamos por asistir a la inolvidable, irrepetible e intimista ceremonia de piano y voz que conquista inmediatamente las almas sensibles, los días miércoles a partir de las 21 hs. en Pista Urbana.

La propuesta es disfrutar un espectáculo simpático, emotivo con instantes risueños y tiernos, esos que se guardan en el corazón para alivianar los momentos de tristeza. Claribel Medina junto a Nacho Abad desvalija un cúmulo de imágenes intensas

que trae desde su Puerto Rico natal y expone con humor y calidez a los espectadores que participan del espectáculo. Esto lo logra además con un selecto muestrario de canciones clásicas y propias sobre el amor, con anécdotas, sueños e historias de vida propia y ajena con una notable interpretación.

Será que Claribel Medina está en un momento de sólida brillantez en su carrera de actriz y como lleva también una larga experiencia en ser voz líder en diferentes proyectos musicales como su más reciente banda “Las Gardenias y sus Gladiolos” puede sumarle a cada proyecto una identidad que la distingue. Nacho Abad fue un hallazgo casual según Medina pero todos sabemos que las cosas ocurren “causa” de nuestro esfuerzo  y nuestras búsquedas y este músico le aporta a Claribel no solo composiciones originales para el espectáculo sino que le permite desarrollar una nueva faceta que la revela también como compositora.

Los motivos por los que el tango, el folclore y los boleros puedan gestar un experiencia llena de sentido exceden las pretensiones de este comentario pero es necesario mencionar la calidad del repertorio favorece sin duda cualquier intento de hurgar en los orígenes. Además de “Naranjo en flor” y “Vete de mí” de los hermanos Virgilio y Homero Expósito, “Soledad” y “Cuesta Abajo” de Alfredo Lepera y Carlos Gardel, “Como dos extraños” de José María Contursi y Pedro Laurenz, “Qué me van a hablar de amor” de Homero Expósito y Héctor Stamponi,  “Sur” de Homero Manzi y Anibal Troilo o “Moliendo Café” de Hugo Blanco; se incluyen temas propios de gran vuelo poético como “Tormento”, “Verde vegetación”, “Lobo Salvaje” o “2 segundos de Ventaja” que da nombre al espectáculo, entre otros.

Sin embargo, lo que más se agradece son esos espacios donde Claribel rememora su infancia, y a Alberto Medina, su padre “cantor” que trabajaba de cartero, que la inicia, por ejemplo, en esto de escuchar “Nieblas del Riachuelo” de Enrique Cadícamo y Juan Carlos Cobián aunque a los cinco años no tenía claro que se trataba de un tango. Es como si el pasado y el presente se confundieran en ese sinfín de percepciones y pinceladas de fragmentos con verdadera comunión con los presentes. Es aquí donde una vez más nos damos cuenta que todos estos recuerdos y experiencias que tuvimos de niños y nuestras herencias familiares cobran un sentido profundo que la TV puede popularizar pero ciertamente al momento de decir quien somos no nos define.

Quedan entre los momentos destacados la versión de “Me va la vida en ello” de Luis Eduardo Aute, “La Flor de la Canela” de Chabuca Granda donde aconseja a las mujeres como deben tratar a los hombres y la imperdibles interpretación de “Que te pedí” o “puro Teatro” que fueron grabadas por La Lupe o “la Reina del Latin Soul” que Claribel conoce en su país a través de las películas de Pedro Almodóvar.

Poco más para agregar: es una proposición atractiva e interactiva. Claribel Medina se muestra como una cantante en desarrollo con sólida interpretación, consciente del manejo de su cuerpo, con oficio. La puesta en escena tiene pocos detalles pero no se necesita más para contagiar con la pasión con la que canta y cuenta. Sin duda Nacho Abad, es un partener que trabaja en la misma sincronía y logran juntos tomar cada encuentro como una oportunidad para avanzar en la calidad y el pulido de su arte.

PISTA URBANA - Chacabuco 874 - 4361-3015

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La oscuridad de la razón

Poema trágico de resistencia

“¿Por qué llorar tanto por un padre? Si hubiera sido tu prometido te entenderíamos, pero tu padre, ya estaba muerto para ti. ¿O acaso podía abrazarte en el secreto de la alcoba? ¡Llora por los hijos que aún no criaste, reseca, y no por el padre que nunca podía dártelos! El varón que se fue no era para ti. Llora por el que aún no ha llegado”. Bajo la dirección de Virginia Innocenti se reestrenó “La Oscuridad de la Razón” de Ricardo Monti en la Sala Solidaridad del Teatro de la Cooperación los sábados y domingos a las 19:15.

Se trata de una obra que sigue conmoviéndonos tanto como haceveintidós años cuando la actriz y cantante la protagonizó en el Teatro Payró bajo la dirección de Jaime Kogan.Ricardo Monti, es uno de los dramaturgos argentinos integrantes del prestigioso movimiento de resistencia cultural conocido como Teatro Abierto, pionero además en la generación de una escuela basada en la imagen generadora de contenido dramático continuado por Mauricio Kartun y Eduardo Rovner, entre otros.

En la oscuridad de la razón logra articular el mito intemporal del parricidio en nuestra historia nacional desde varios planos, con la Orestiada de Esquilo (Sófocles, Eurípides) y con el Hamlet y Macbeth de Shakespeare. Los personajes Alma / Electra, Mariano / Orestes, María / Clitemnestra / Gertrudis / Lady Macbeth, Dalmacio / Egisto / Claudio / Macbeth interpretados con excelente brillantes y solvencia por los actores Ana Yovino, Luciano Suardi, Pablo Mariuzzi, Lorena Szekely, Maia Mónaco, Daniela Salerno y Juan Luppi, que juegan en acción la lucha entre el bien y el mal desde los roles que plantea la tragedia de estructura poética, permiten además descubrir el desplazamiento del nivel ontológico y metafísico del teatro clásico al misterio religioso que potencia las virtudes de esta pieza teatral.

En términos argumentales, Mariano es el que ha cometido el error (hamartia), el exceso (hübris) y debería entrar a la etapa final del héroe trágico con la “expiación” (como Edipo y Creonte), o la muerte (como Antígona) y está perseguido por la culpa con que lo ha cargado el incesto, el magnicidio y la muerte por mano propia de su madre: se encuentra desquiciado y perdido y a punto de entregarse a las incitaciones del espíritu del Mal (Alma y la Partida) que funcionan como metáfora de las complicidades y sometimientos de las sociedades latinoamericanas a las transformaciones del poder.

Hasta acá el principio que construye la tragedia está compartido con el del protagonista, ambos signados por el “fatum” del mito clásico, que revierte su signo ante la introducción de la luz (Francia) que ilumina la razón oscurecida, mediante la esperanza (inherente al mito del cristianismo) y el inminente alumbramiento del ser que habrá de continuar la historia del futuro.Innocenti nos invita a habitar profundidades con un alto nivel de erotismo y pus que incomoda, nos actualiza el texto ofreciendo personajes vivos y diseñó para ello una puesta detallada y esencial sin sobrantes escénicos para dar protagonismo al poema y su resonancia siempre personal.

La obra esta ambientada en el siglo XIX, sin embargo, el vestuario es atemporal y diverso,  hay un gran cuenco de agua transparente que llena de simbolismo y sugerencias la escena. Además participan Julio Suárez, como responsable de la escenografía y vestuario, Leandra Rodríguez como iluminadora y Maia Mónaco con ejecución de instrumentos musicales en vivo que suma en atributos a este espectáculo de fuerte impacto emocional,  que nos hace entretenernos  y reflexionar en el amplio sentido brechtiano del teatro.

Esta obra recibió en el pasado el reconocimiento del público y de la crítica con los Premios Florencio Sanchez, Pepino 88, Leónidas Barletta (Funcun), Promea, Ace, Anual a la Labor Teatral de la Municipalidad de Buenos Aires y la primera nominación ACE de Virginia Innocenti como mejor actriz dramática por su interpretación del personaje Alma. Hoy el equipo se alegra por la reciente nominación al premio ACE como actriz de espectáculo off por “La oscuridad de la razón” al sobresaliente e intenso trabajo de la actriz Ana Yovino. Aplausos por esta iniciativa artística, recomiendo este espectáculo y los invito a preguntarse “¿Porqué sale esto a la luz?”.

TEATRO DE LA COOPERACION - Av. Corrientes 1543 - 5077-8000

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Francisco Pesqueira "Oye"

Francisco Pesqueira y la poesía

Todos los martes a las 21 en la Botica del Angel, collage escenográfico de la Ciudad de Buenos Aires  creado por Eduardo Bergara Leumann en el museo que fue su casa y que hoy administra la Universidad del Salvador, Francisco Pesqueira nos invita a oír a diferentes poetas.En este espectáculo que lleva el nombre de su reciente material discográfico “Oye..”

Pesqueira no sólo se presenta como cantante y actor sino también como poeta.En sus destacados escritos que son la epístola conductora y la introducción de verso libre a las canciones que interpreta, rinde un sentido homenaje a cada uno de los grandiosos hombres y mujeres que marcaron su historia como Pablo Neruda, Federico García Lorca, Alfonsina Storni, Rosalía de Castro, Juan Gelman, León Felipe, Miguel Hernández, Amado Nervo, entre otros.

Pesqueira toma las historias de estos autores y le suma su propia voz interior, sus impresiones, anécdotas, recuerdos familiares, recrea los mundos y circunstancias de otros tiempos e invita a viajar  por diferentes espacios. Lo logra sin transgredir los límites del pequeño escenario en el que se mueve con soltura, libertad y destreza. Suma la impecable calidad interpretativa al que nos tiene acostumbrados y consigue cautivar para luego capturar a cada uno de los presentes sin soltar hasta el final, incluso logra que desborden lágrimas de emoción, especialmente en las mujeres adultas.

Dos de los momentos más destacados del espectáculo es cuando canta los poemas “Nanas de la Cebolla” de Miguel Hernández y “Oye” de Alfonsina Storni, donde el diseño de luces y la interpretación llega a un alto nivel de resultado y es francamente enternecedor escuchar el verso: “cuando el agua caiga monótona y triste, buscaré tu pecho para acurrucar, este peso enorme que llevo en el alma y no se explicar”. Pero no se trata de escuchar sólo versos tristes ni de pasarse la noche usando pañuelos descartables, porque Pesqueira dueño del time de la comedia musical logra trasladarnos de inmediato a otro estado mucho más risueño y optimista.

No da lugar a distracción, estamos aquí y ahora todo el tiempo para escucharlo y verlo bailar, orar, sentarse, acostarse, ponerse de pié con dominio absoluto de su cuerpo y conciente de lo que este transmite, pendiente hasta si se le desabrocha un botón de su camisa blanca, mirando cara a cara a los espectadores, sonriendo siempre con sus ojos claros dejando ver con humildad y transparencia al completo artista. 

Reconocido en sus veintiséis años de trabajo ininterrumpido por su participación en mas de 60 obras teatrales Pesquerita añadide a su trayectoria los premios Ace y Trinidad Guevara por participación actoral y de Mejor Café Concert, con la nominación a premios Hugo al Mejor Unipersonal Musical, por sus espectáculos anteriores. Tiene tres discos grabados, todos editados en forma independiente y vendidos al final de sus presentaciones, los anteriores al que presenta son “Sentimiento a la carta” y “Francisco Pesqueira”.

Si bien en esta oportunidad no hay músicos en vivo que acompañen la propuesta, hay un gran equipo detrás de escena: Claudio Martini en la Dirección Musical, Sandra Luna en Entrenamiento Vocal, Andrea Widerker en l,a Producción Integral, Juan José Frías en Luces y Sonido, Silvina Macri en Fotografías, Pato Azor en Diseño Gráfico.  

Así todos, rodeados de sorprendentes obras de arte de artistas plásticos como Raúl Soldi, Antonio Berni, Luis Felipe Noé, Marta Minujin, Guillermo Roux, Juan Carlos Castagnino, Carlos Gorriarena, Josefina Robirosa, Juan Carlos Benítez, Eduardo Pla, Raúl Lozza, entre fotográfías de actores y cantantes, algunos de los cuales también debutaron allí como Susana Rinaldi, Marikena Monti, Nacha Guevara, Leonardo Favio, entre otros, de homenajes a compositores de tango y folclore como Astor Piazzolla, Homero Expósito, Mariano Mores, Mercedes Sosa, Ariel Ramírez y María Elena Walsh. e intalaciones de objetos históricos, con  las musas que parecen brotar de los mismos manuscritos de Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato y Manuel Mujica Lainez que se encuentran en La Botica del Angel, completamos el misterio nocturno que se hace eco cada semana de su creación: la poesía.

MUSEO LA BOTICA DEL ÁNGEL - Luis Sáenz Peña 543 - 4384-9396

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Fábrica de Chicas

Esther y Alma: Sobre el femicidio

Fabrica de chicas, la obra de teatro que protagonizan dos mujeres, llamadas Esther y Alma, difícilmente pueda pasar inadvertida por la actualidad del tema que plantea su autor y director Osvaldo Peluffo: la agresión y violencia extrema a mujeres por parte de parejas o ex parejas. Los personajes que interpretan las actrices Anabel Ferreyra y Verónika Ayanz Peluffo, comparten largas jornadas laborales en una fábrica empaque y su contacto diario permite que ambas sostengan a lo largo de la pieza niveles de gran profundidad en su comunicación.

El espacio que ofrece a Fabrica de Chicas el Teatro El Damero de Gina Piccirilli, donde se realizó la pieza los días sábados de estos últimos cuatro meses,es muy propicio para desarrollar las escenas por la proximidad que tienen las actrices y los espectadores y también porque la sala se ubica en un subsuelo sin ventanas que permite recrear el ambiente de productividad con pocos muy elementos escenografitos, de vestuario y utilería: una larga mesa, un teléfono, cajas y dos bancos y guardapolvos.

Así, mientras arman cajas y las trasladan de un espacio a otro bajo, bajo la estricta vigilancia del encargado que las observa a través de las cámaras puestas en el lugar, una de ellas se anima a contar la relación que tiene con su esposo y a pesar de recibir consejos que apuntan a crear alertas a ciertos indicios que parecen aparecer y que el personaje justifica, vamos a ser testigos de cómo esa forma de vinculación se va transformando por analogía en algunos de los casos que conocemos como violencia de género.

De esta manera, haciendo fácilmente empatía con el duro relato que se nos presenta y sin dejar de destacar el trabajo concentrado y de gran nivel interpretativo que no ofrece fisuras por parte de las dos únicas actrices se nos va brindando información que no son sólo datos sino que logra el efecto de reacción e indignación justo porque vamos dimensionando la importancia de comenzar a hablar de esto que vemos y oímos: hay mujeres que son quemadas por sus maridos, nos dicen y lo sabemos. Es entonces cuando la obra logra lo más importante, además de irnos del lugar pensando nos invita a actuar, no en la ficción, sino interviniendo en nuestros espacios cotidianos.

Este espectáculo se ha presentado en el Espacio Faro, Loft Cultural; Municipalidad de Coronel Dorrego y Escuela Normal Sofía Spangenberg (Lenguitas) y fue invitado a participar en el Festival Internacional de la Mujer contra la violencia de género (Año 2014). Según las estadísticas de la ONG La Casa del Encuentro, cada 32 horas hay un  femicidio en el país. En 9 de cada 10 casos de violencia de género el agresor es la pareja o la ex pareja de la víctima.

El próximo 3 de junio a las 17, en el congreso y en cada ciudad del país, se realizará la marcha #NiUnaMenos por el cabal cumplimiento de la Ley Nº 26485 adoptada para prevenir, sancionar y erradicar la violencia contra las mujeres y promover el acceso a la justicia cuando han sufrido violencia. Fabrica de Mujeres también adhiere e invita a los espectadores a sumarse a esta marcha.

TEATRO EL DAMERO DE GINA PICCIRILLI - Dean Funes 506 - 2060 2278

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Los Kjarkas "40 años después"

Reflejo de Respeto, Trabajo y Humildad

El Día de la Mujer fue celebrado por cientos de espectadores que concurrieron al Teatro Gran Rex de Argentina para ver la esperada presentación de la agrupación de música folclórica boliviana: Los Kjarkas.

La formación actual está integrada por: Gonzalo Hermosa Gonzales, Elmer Hermosa, Gastón Guardia, Gonzalo Hermosa Camacho, Makoto Shishido, Lin Angulo Cespedes, se sumaron además los músicos: Braulio Collarana Uscamayta, Juan Alberto Choque Donaire, Iván Enrique Barrientos Murillo, Jorfe Roman Santa Cruz Velasco y las bailarinas Wendy Nashira Tapia Villanueva, Jimena Taboada Ovando, Killa Hermosa Aguilar y Andreina Ballesteris Santivañez.

La música de Los Kjarkas trata de poner énfasis en el folclore boliviano, interpretado por cuecas, wayños y bailecitos, utiliza también instrumentos de viento andinos, como las zampoñas (llamadas también ika, malta y zanka) y quenas, bombo wangara, charango, guitarra, ronroco, wallaycho, bajo y bateria y logran crean una fusión de ritmos y estilos, entre lo autóctono y lo criollo. Los Kjarkas ya llevan grabados más de cuatrocientas canciones propias en materiales discográficos.

El concierto recorrió la carrera musical de más de 43 años, con más de tres horas de impecables composiciones, donde se incluyeron los éxitos “Tiempo al tiempo”, “Wayayay”, “Negrita”, “Llorando se fue”, “Son tantas noches”, Saya Morena” y “Bolivia”, entre otros. Se sumó también la presentación de las cuatro bailarinas que en sus tres entradas lucieron diferentes vestuarios típicos multicolores logrando los momentos más altos de festejo y belleza visual. Con un diseño de luces que destacó todos los detalles bañando de rojo, amarillo y verde o proyectando siluetas para completar el escenario austero.

Los Kjarkas lucieron ponchos rusticos de color crudo como es su vestimenta tradicional e interpretaron con sus poemas los sentimientos de toda una generación fundamentalmente entre los años 70 y 80 que hoy cobra actualidad al ser transmitida como parte de una identidad de un país entre los adolescentes y jóvenes e incluso una multitud de niños que asistieron a este encuentro llevados por sus padres y abuelos. Principalmente las mujeres y los adultos mayores de la comunidad boliviana fueron los que no dejaron de cantar y festejaban de principio a fin.

El nombre del conjunto tiene su origen en la palabra “Kharka”, del quechua sureño, que significa “temor o recelo” y también “temblor”. Desde su nacimiento, por las inclinaciones musicales de la familia Hermosa, recorrieron muchos países llevando su folclore alrededor del mundo, multipremiados, con varios discos de oro y numerosos reconocimientos, nombrados huéspedes ilustres por numerosos países, con más de 30 álbumes discográficos, con nuevos integrantes, continúan conquistando corazones siendo reflejo de respeto, trabajo y humildad. 

TEATRO GRAN REX - Av. Corrientes 857 - 5237 7200

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