La oscuridad de la razón

Poema trágico de resistencia

“¿Por qué llorar tanto por un padre? Si hubiera sido tu prometido te entenderíamos, pero tu padre, ya estaba muerto para ti. ¿O acaso podía abrazarte en el secreto de la alcoba? ¡Llora por los hijos que aún no criaste, reseca, y no por el padre que nunca podía dártelos! El varón que se fue no era para ti. Llora por el que aún no ha llegado”. Bajo la dirección de Virginia Innocenti se reestrenó “La Oscuridad de la Razón” de Ricardo Monti en la Sala Solidaridad del Teatro de la Cooperación los sábados y domingos a las 19:15.

Se trata de una obra que sigue conmoviéndonos tanto como haceveintidós años cuando la actriz y cantante la protagonizó en el Teatro Payró bajo la dirección de Jaime Kogan.Ricardo Monti, es uno de los dramaturgos argentinos integrantes del prestigioso movimiento de resistencia cultural conocido como Teatro Abierto, pionero además en la generación de una escuela basada en la imagen generadora de contenido dramático continuado por Mauricio Kartun y Eduardo Rovner, entre otros.

En la oscuridad de la razón logra articular el mito intemporal del parricidio en nuestra historia nacional desde varios planos, con la Orestiada de Esquilo (Sófocles, Eurípides) y con el Hamlet y Macbeth de Shakespeare. Los personajes Alma / Electra, Mariano / Orestes, María / Clitemnestra / Gertrudis / Lady Macbeth, Dalmacio / Egisto / Claudio / Macbeth interpretados con excelente brillantes y solvencia por los actores Ana Yovino, Luciano Suardi, Pablo Mariuzzi, Lorena Szekely, Maia Mónaco, Daniela Salerno y Juan Luppi, que juegan en acción la lucha entre el bien y el mal desde los roles que plantea la tragedia de estructura poética, permiten además descubrir el desplazamiento del nivel ontológico y metafísico del teatro clásico al misterio religioso que potencia las virtudes de esta pieza teatral.

En términos argumentales, Mariano es el que ha cometido el error (hamartia), el exceso (hübris) y debería entrar a la etapa final del héroe trágico con la “expiación” (como Edipo y Creonte), o la muerte (como Antígona) y está perseguido por la culpa con que lo ha cargado el incesto, el magnicidio y la muerte por mano propia de su madre: se encuentra desquiciado y perdido y a punto de entregarse a las incitaciones del espíritu del Mal (Alma y la Partida) que funcionan como metáfora de las complicidades y sometimientos de las sociedades latinoamericanas a las transformaciones del poder.

Hasta acá el principio que construye la tragedia está compartido con el del protagonista, ambos signados por el “fatum” del mito clásico, que revierte su signo ante la introducción de la luz (Francia) que ilumina la razón oscurecida, mediante la esperanza (inherente al mito del cristianismo) y el inminente alumbramiento del ser que habrá de continuar la historia del futuro.Innocenti nos invita a habitar profundidades con un alto nivel de erotismo y pus que incomoda, nos actualiza el texto ofreciendo personajes vivos y diseñó para ello una puesta detallada y esencial sin sobrantes escénicos para dar protagonismo al poema y su resonancia siempre personal.

La obra esta ambientada en el siglo XIX, sin embargo, el vestuario es atemporal y diverso,  hay un gran cuenco de agua transparente que llena de simbolismo y sugerencias la escena. Además participan Julio Suárez, como responsable de la escenografía y vestuario, Leandra Rodríguez como iluminadora y Maia Mónaco con ejecución de instrumentos musicales en vivo que suma en atributos a este espectáculo de fuerte impacto emocional,  que nos hace entretenernos  y reflexionar en el amplio sentido brechtiano del teatro.

Esta obra recibió en el pasado el reconocimiento del público y de la crítica con los Premios Florencio Sanchez, Pepino 88, Leónidas Barletta (Funcun), Promea, Ace, Anual a la Labor Teatral de la Municipalidad de Buenos Aires y la primera nominación ACE de Virginia Innocenti como mejor actriz dramática por su interpretación del personaje Alma. Hoy el equipo se alegra por la reciente nominación al premio ACE como actriz de espectáculo off por “La oscuridad de la razón” al sobresaliente e intenso trabajo de la actriz Ana Yovino. Aplausos por esta iniciativa artística, recomiendo este espectáculo y los invito a preguntarse “¿Porqué sale esto a la luz?”.

TEATRO DE LA COOPERACION - Av. Corrientes 1543 - 5077-8000

Publicado en: Espectáculos de Acá

Francisco Pesqueira "Oye"

Francisco Pesqueira y la poesía

Todos los martes a las 21 en la Botica del Angel, collage escenográfico de la Ciudad de Buenos Aires  creado por Eduardo Bergara Leumann en el museo que fue su casa y que hoy administra la Universidad del Salvador, Francisco Pesqueira nos invita a oír a diferentes poetas.En este espectáculo que lleva el nombre de su reciente material discográfico “Oye..”

Pesqueira no sólo se presenta como cantante y actor sino también como poeta.En sus destacados escritos que son la epístola conductora y la introducción de verso libre a las canciones que interpreta, rinde un sentido homenaje a cada uno de los grandiosos hombres y mujeres que marcaron su historia como Pablo Neruda, Federico García Lorca, Alfonsina Storni, Rosalía de Castro, Juan Gelman, León Felipe, Miguel Hernández, Amado Nervo, entre otros.

Pesqueira toma las historias de estos autores y le suma su propia voz interior, sus impresiones, anécdotas, recuerdos familiares, recrea los mundos y circunstancias de otros tiempos e invita a viajar  por diferentes espacios. Lo logra sin transgredir los límites del pequeño escenario en el que se mueve con soltura, libertad y destreza. Suma la impecable calidad interpretativa al que nos tiene acostumbrados y consigue cautivar para luego capturar a cada uno de los presentes sin soltar hasta el final, incluso logra que desborden lágrimas de emoción, especialmente en las mujeres adultas.

Dos de los momentos más destacados del espectáculo es cuando canta los poemas “Nanas de la Cebolla” de Miguel Hernández y “Oye” de Alfonsina Storni, donde el diseño de luces y la interpretación llega a un alto nivel de resultado y es francamente enternecedor escuchar el verso: “cuando el agua caiga monótona y triste, buscaré tu pecho para acurrucar, este peso enorme que llevo en el alma y no se explicar”. Pero no se trata de escuchar sólo versos tristes ni de pasarse la noche usando pañuelos descartables, porque Pesqueira dueño del time de la comedia musical logra trasladarnos de inmediato a otro estado mucho más risueño y optimista.

No da lugar a distracción, estamos aquí y ahora todo el tiempo para escucharlo y verlo bailar, orar, sentarse, acostarse, ponerse de pié con dominio absoluto de su cuerpo y conciente de lo que este transmite, pendiente hasta si se le desabrocha un botón de su camisa blanca, mirando cara a cara a los espectadores, sonriendo siempre con sus ojos claros dejando ver con humildad y transparencia al completo artista. 

Reconocido en sus veintiséis años de trabajo ininterrumpido por su participación en mas de 60 obras teatrales Pesquerita añadide a su trayectoria los premios Ace y Trinidad Guevara por participación actoral y de Mejor Café Concert, con la nominación a premios Hugo al Mejor Unipersonal Musical, por sus espectáculos anteriores. Tiene tres discos grabados, todos editados en forma independiente y vendidos al final de sus presentaciones, los anteriores al que presenta son “Sentimiento a la carta” y “Francisco Pesqueira”.

Si bien en esta oportunidad no hay músicos en vivo que acompañen la propuesta, hay un gran equipo detrás de escena: Claudio Martini en la Dirección Musical, Sandra Luna en Entrenamiento Vocal, Andrea Widerker en l,a Producción Integral, Juan José Frías en Luces y Sonido, Silvina Macri en Fotografías, Pato Azor en Diseño Gráfico.  

Así todos, rodeados de sorprendentes obras de arte de artistas plásticos como Raúl Soldi, Antonio Berni, Luis Felipe Noé, Marta Minujin, Guillermo Roux, Juan Carlos Castagnino, Carlos Gorriarena, Josefina Robirosa, Juan Carlos Benítez, Eduardo Pla, Raúl Lozza, entre fotográfías de actores y cantantes, algunos de los cuales también debutaron allí como Susana Rinaldi, Marikena Monti, Nacha Guevara, Leonardo Favio, entre otros, de homenajes a compositores de tango y folclore como Astor Piazzolla, Homero Expósito, Mariano Mores, Mercedes Sosa, Ariel Ramírez y María Elena Walsh. e intalaciones de objetos históricos, con  las musas que parecen brotar de los mismos manuscritos de Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato y Manuel Mujica Lainez que se encuentran en La Botica del Angel, completamos el misterio nocturno que se hace eco cada semana de su creación: la poesía.

MUSEO LA BOTICA DEL ÁNGEL - Luis Sáenz Peña 543 - 4384-9396

Publicado en: Espectáculos de Acá

Fábrica de Chicas

Esther y Alma: Sobre el femicidio

Fabrica de chicas, la obra de teatro que protagonizan dos mujeres, llamadas Esther y Alma, difícilmente pueda pasar inadvertida por la actualidad del tema que plantea su autor y director Osvaldo Peluffo: la agresión y violencia extrema a mujeres por parte de parejas o ex parejas. Los personajes que interpretan las actrices Anabel Ferreyra y Verónika Ayanz Peluffo, comparten largas jornadas laborales en una fábrica empaque y su contacto diario permite que ambas sostengan a lo largo de la pieza niveles de gran profundidad en su comunicación.

El espacio que ofrece a Fabrica de Chicas el Teatro El Damero de Gina Piccirilli, donde se realizó la pieza los días sábados de estos últimos cuatro meses,es muy propicio para desarrollar las escenas por la proximidad que tienen las actrices y los espectadores y también porque la sala se ubica en un subsuelo sin ventanas que permite recrear el ambiente de productividad con pocos muy elementos escenografitos, de vestuario y utilería: una larga mesa, un teléfono, cajas y dos bancos y guardapolvos.

Así, mientras arman cajas y las trasladan de un espacio a otro bajo, bajo la estricta vigilancia del encargado que las observa a través de las cámaras puestas en el lugar, una de ellas se anima a contar la relación que tiene con su esposo y a pesar de recibir consejos que apuntan a crear alertas a ciertos indicios que parecen aparecer y que el personaje justifica, vamos a ser testigos de cómo esa forma de vinculación se va transformando por analogía en algunos de los casos que conocemos como violencia de género.

De esta manera, haciendo fácilmente empatía con el duro relato que se nos presenta y sin dejar de destacar el trabajo concentrado y de gran nivel interpretativo que no ofrece fisuras por parte de las dos únicas actrices se nos va brindando información que no son sólo datos sino que logra el efecto de reacción e indignación justo porque vamos dimensionando la importancia de comenzar a hablar de esto que vemos y oímos: hay mujeres que son quemadas por sus maridos, nos dicen y lo sabemos. Es entonces cuando la obra logra lo más importante, además de irnos del lugar pensando nos invita a actuar, no en la ficción, sino interviniendo en nuestros espacios cotidianos.

Este espectáculo se ha presentado en el Espacio Faro, Loft Cultural; Municipalidad de Coronel Dorrego y Escuela Normal Sofía Spangenberg (Lenguitas) y fue invitado a participar en el Festival Internacional de la Mujer contra la violencia de género (Año 2014). Según las estadísticas de la ONG La Casa del Encuentro, cada 32 horas hay un  femicidio en el país. En 9 de cada 10 casos de violencia de género el agresor es la pareja o la ex pareja de la víctima.

El próximo 3 de junio a las 17, en el congreso y en cada ciudad del país, se realizará la marcha #NiUnaMenos por el cabal cumplimiento de la Ley Nº 26485 adoptada para prevenir, sancionar y erradicar la violencia contra las mujeres y promover el acceso a la justicia cuando han sufrido violencia. Fabrica de Mujeres también adhiere e invita a los espectadores a sumarse a esta marcha.

TEATRO EL DAMERO DE GINA PICCIRILLI - Dean Funes 506 - 2060 2278

 Publicado en: http://www.espectaculosdeaca.com.ar

Los Kjarkas "40 años después"

Reflejo de Respeto, Trabajo y Humildad

El Día de la Mujer fue celebrado por cientos de espectadores que concurrieron al Teatro Gran Rex de Argentina para ver la esperada presentación de la agrupación de música folclórica boliviana: Los Kjarkas.

La formación actual está integrada por: Gonzalo Hermosa Gonzales, Elmer Hermosa, Gastón Guardia, Gonzalo Hermosa Camacho, Makoto Shishido, Lin Angulo Cespedes, se sumaron además los músicos: Braulio Collarana Uscamayta, Juan Alberto Choque Donaire, Iván Enrique Barrientos Murillo, Jorfe Roman Santa Cruz Velasco y las bailarinas Wendy Nashira Tapia Villanueva, Jimena Taboada Ovando, Killa Hermosa Aguilar y Andreina Ballesteris Santivañez.

La música de Los Kjarkas trata de poner énfasis en el folclore boliviano, interpretado por cuecas, wayños y bailecitos, utiliza también instrumentos de viento andinos, como las zampoñas (llamadas también ika, malta y zanka) y quenas, bombo wangara, charango, guitarra, ronroco, wallaycho, bajo y bateria y logran crean una fusión de ritmos y estilos, entre lo autóctono y lo criollo. Los Kjarkas ya llevan grabados más de cuatrocientas canciones propias en materiales discográficos.

El concierto recorrió la carrera musical de más de 43 años, con más de tres horas de impecables composiciones, donde se incluyeron los éxitos “Tiempo al tiempo”, “Wayayay”, “Negrita”, “Llorando se fue”, “Son tantas noches”, Saya Morena” y “Bolivia”, entre otros. Se sumó también la presentación de las cuatro bailarinas que en sus tres entradas lucieron diferentes vestuarios típicos multicolores logrando los momentos más altos de festejo y belleza visual. Con un diseño de luces que destacó todos los detalles bañando de rojo, amarillo y verde o proyectando siluetas para completar el escenario austero.

Los Kjarkas lucieron ponchos rusticos de color crudo como es su vestimenta tradicional e interpretaron con sus poemas los sentimientos de toda una generación fundamentalmente entre los años 70 y 80 que hoy cobra actualidad al ser transmitida como parte de una identidad de un país entre los adolescentes y jóvenes e incluso una multitud de niños que asistieron a este encuentro llevados por sus padres y abuelos. Principalmente las mujeres y los adultos mayores de la comunidad boliviana fueron los que no dejaron de cantar y festejaban de principio a fin.

El nombre del conjunto tiene su origen en la palabra “Kharka”, del quechua sureño, que significa “temor o recelo” y también “temblor”. Desde su nacimiento, por las inclinaciones musicales de la familia Hermosa, recorrieron muchos países llevando su folclore alrededor del mundo, multipremiados, con varios discos de oro y numerosos reconocimientos, nombrados huéspedes ilustres por numerosos países, con más de 30 álbumes discográficos, con nuevos integrantes, continúan conquistando corazones siendo reflejo de respeto, trabajo y humildad. 

TEATRO GRAN REX - Av. Corrientes 857 - 5237 7200

Publicado en: http://www.espectaculosdeaca.com.ar